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À quelle période les rubriques de signature ont-elles été utilisées ?

À quelle période les rubriques de signature ont-elles été utilisées ?

Une rubrique est un épanouissement embellissant une signature ; c'est à la fois décoratif et un élément de sécurité. Au moins en ce qui concerne les langues européennes, les signatures sont toujours utilisées mais les rubriques ont été, autant que je sache, abandonnées. Plus ou moins quand sont-ils entrés et sortis de style ?


Affectation finale

Pour le travail final, j'aimerais que vous regardiez à la fois l'artiste contemporain dont vous avez choisi de parler et la période historique que vous avez choisie et que vous écriviez pour moi un article de comparaison et/ou de contraste sur les deux. Par exemple, si vous avez choisi Roberto Lugo et la céramique préhistorique, vous ne trouverez pas grand-chose en commun au départ, cependant, Roberto Lugo est tout au sujet de la création de base et de la nécessité dans son travail, il est littéralement sorti et a fabriqué une roue à partir de déchets. et jeta de l'argile qu'il trouva par terre. Des trucs d'homme des cavernes. De la même manière, les céramiques étaient fabriquées par les peuples anciens en utilisant ce qu'ils avaient autour d'eux à l'époque, avec beaucoup moins de compréhension de ce qu'ils faisaient, néanmoins, nous avons encore des exemples des sculptures et des poteries qu'ils fabriquaient. Ce devoir sera rendu le jour de ce qui aurait été notre finale en classe, le mardi 5 mai.

Au moins 6 à 8 paragraphes comparant et/ou contrastant les deux artistes/période.
Par exemple:

- paragraphe sur l'artiste contemporain

- paragraphe sur l'artiste historique/période

Faire : Utilisez vos propres mots et ce que vous pensez et ressentez.

Ne pas: Plagier, si vous n'êtes pas sûr de ce que cela signifie exactement, c'est dans le programme. Je peux et je vais vérifier si vous ne faites que copier et coller votre travail. Je veux savoir ce que vous en pensez.

POINTS BONUS : si vous ajoutez des médias (photos, vidéo, etc.) au papier.

Je ne noterai pas durement sur la grammaire et l'orthographe. Cependant, s'il vous plaît soyez conscient des deux.

La semaine prochaine, je licencierai tout le travail qui est fait. Si vous le souhaitez, vous pouvez passer le récupérer le mardi 5 à 11h. Le travail qui n'est pas repris sera alors rejeté si vous ne faites pas d'autre arrangement avec moi.


Donnez-moi votre John Hancock

Ardoise Le chroniqueur technologique Farhad Manjoo a récemment soutenu que le télécopieur survit en grande partie à cause de notre attachement à la signature écrite. L'observation de Manjoo a piqué la curiosité de l'Explicateur : quand griffonner son nom sur une feuille de papier est-il devenu un moyen d'authentification ?

Il y a longtemps. Les signatures sur les transactions écrites sont habituelles dans les communautés juives depuis le IIe siècle environ et chez les musulmans depuis l'Hégire (la migration de Mahomet et de ses disciples à Médine) en 622. En Europe, la signature date du VIe siècle. Mais cela ne s'est pas généralisé là-bas pendant encore un millier d'années, jusqu'aux XVIe et XVIIe siècles, lorsque l'éducation et l'alphabétisation ont augmenté et que davantage d'accords ont été conclus par écrit. En Angleterre, le Statute of Frauds de 1677 – qui stipulait que les contrats doivent exister par écrit et porter une signature – a été déterminant. Les signatures sont devenues une forme standard de validation des accords, une pratique également adoptée dans l'Amérique coloniale.

Entre le VIe siècle, date de l'apparition de la signature, et le XVIIe siècle, lorsque la signature est devenue une pratique courante, les Européens ont utilisé diverses coutumes en plus de la signature pour formaliser les contrats. * Les sceaux de cire portant une figure imprimée ou en relief étaient courants, en particulier chez les Français, qui ont apporté la tradition en Angleterre lors de l'invasion normande. (Les sceaux apparaissent également dans la Bible, et à ce jour, sceller, et non signer, est une pratique courante en Chine, au Japon et en Corée.) Une façon populaire de créer ces impressions était d'enfoncer une chevalière dans de la cire d'abeille. Les chevalières elles-mêmes étaient également utilisées comme validation : un roi pouvait, par exemple, envoyer un héraut portant un message oral à une puissance étrangère et lui donner la chevalière royale afin que le destinataire du message soit sûr de son origine.

D'autres accords plus occasionnels ont également été conclus sous forme physique. Couper une mèche de cheveux et la donner à quelqu'un d'autre était une façon de sceller un contrat. Vers le XIII e siècle, les accords étaient parfois marqués d'une gifle ou d'un autre acte traumatisant. La théorie était que les deux parties se souviendraient non seulement de la blessure, mais aussi de l'accord qui avait été conclu sur sa blessure.

Bien que l'individualité et la lisibilité sembler comme s'ils devaient être des traits essentiels d'une signature, cela n'a jamais vraiment été le cas. A partir des IX e et X e siècles, les scribes valident les documents par le signe de la croix. Cette pratique peut expliquer la coutume chez les analphabètes de signer un « x » à la place de leur nom. En revanche, parmi les gentils lettrés, une signature n'était pas censée être facilement discernée - une signature complexe et illisible, plutôt qu'une signature imprimée, suggérait une éducation à l'écriture manuscrite.

Il est également admis depuis longtemps que porter une attention particulière aux signatures n'est pas un moyen particulièrement efficace de détecter ou d'exclure la fraude. Un cas de falsification de mandats-poste en 1772 en Angleterre, par exemple, reposait davantage sur le comportement erratique du faussaire présumé que sur les subtiles différences d'écriture d'un document à l'autre. Pour attraper le vol d'identité, les sociétés de cartes de crédit et les banques modernes accordent moins d'attention aux signatures de leurs clients qu'à leurs habitudes de dépenses. (Un farceur enthousiaste démontre de manière anecdotique l'insignifiance choquante de la cohérence de la signature ici.)

Les lois sur ce qui constitue une signature ont répondu aux changements technologiques au cours des derniers siècles. Le développement de l'imprimerie—ainsi que, à plus petite échelle, un engouement dans les années 1860 et 70 pour posséder un tampon en caoutchouc personnalisé portant un fac-similé de votre signature—a forcé les tribunaux britanniques et américains à décider si l'impression ou apposer votre nom constituait une signature (en général : oui). Le télégramme a également posé un défi substantiel à la loi existante : le cas de 1869 de Howley contre Whipple dans le New Hampshire a établi qu'un accord conclu par télégramme constituait un contrat signé. Sur Internet, nous « signons » des choses tout le temps, souvent sans nous en rendre compte. Aux États-Unis et en Grande-Bretagne, les juges ont soutenu qu'un nom tapé au bas d'un e-mail peut constituer une signature et qu'un e-mail peut constituer un accord contraignant.

Une question sur l'actualité du jour ? Demandez à l'explicateur.

L'explicateur remercie Brigitte Miriam Bedos-Rezak de l'Université de New York,Jane Caplan de l'Université d'Oxford et Stephen Mason, auteur de Signatures électroniques en droit.

Correction, 25 mars 2011 :L'article suggérait à l'origine que les Européens n'utilisaient pas de signatures entre le VIe siècle et le XVIIe siècle. En fait, la signature a été pratiquée avec d'autres moyens d'authentifier les accords pendant cette période. (Retour à la phrase corrigée.)


À quelle période les rubriques de signature ont-elles été utilisées ? - Histoire

Les meubles Lambert Hitchcock ont ​​été produits de 1825 à sa mort en 1852 et de l'automne 1948 au printemps 2006. Il existe des moyens révélateurs de déterminer l'âge approximatif d'une chaise.

La finition de mes meubles Hitchcock fera-t-elle baisser la valeur?

La réponse est certainement pas si c'est bien fait. Cela ne fera qu'augmenter la valeur. Comme je l'ai dit plus haut, Hitchcock (même dans les années 1800) était un meuble fabriqué en série et ne vaudra jamais des millions. Les chaises anciennes se vendent moins cher que les chaises neuves d'occasion. Tous les bons meubles doivent être bien faits et tous les meubles Hitchcock sont bien faits, mais ce qui fait vraiment la valeur d'un meuble Hitchcock, c'est l'ornementation (pochoirs, rayures, bandes) et la finition. Les matériaux utilisés n'ont rien de spécial. Ce ne sont que des peintures et des teintures de qualité et n'importe quel carrossier peut les restaurer. Le plus dur, c'est le pochoir. Si quelqu'un a les modèles de pochoir exacts et quelqu'un qui sait comment faire du pochoir Hitchcock, cela augmentera la valeur. Vous pouvez aller plus loin et nous apporter vos pièces et nous pouvons faire une restauration complète dessus. Nous avons découpé des pochoirs de nombreux fabricants à des fins de restauration. Nous avons un site séparé pour cela. Vous pouvez cliquer ici www.hitchcockrestoration.com et il vous y amènera.

Les chaises de 1825 à 1832 étaient toutes signées « L. HITCHCOCK HITCHCOCKSVILLE CONN GARANTI » Tous les « N » doivent être écrits correctement et NON À L'ARRIÈRE. Vous ne trouverez que des chaises. Hitchcock n'a pas fabriqué de meubles de rangement dans cette usine que l'on connaisse, donc si vous avez autre chose qu'une chaise signée, elle a été fabriquée après 1950. Tout ce qui porte le "R" pour marque déposée a été fabriqué après 1952.

Les chaises 1832-1843 ont toutes été signées " HITCHCOCK,ALFORD& Co HITCHCOCKSVILLE,CONN GARANTIE" Ces chaises peuvent avoir à la fois des "N" à l'envers et des "N" correctement écrits, et aucune marque déposée. les travailleurs ne savaient ni lire ni écrire et ils devaient couper leurs propres pochoirs de signature.

1843-1852- il est présumé que les chaises étaient invisibles. Hitchcock avait peu à voir avec l'usine à ce stade, car il avait ouvert un autre atelier d'ébénisterie dans une autre partie de l'État. C'est là que tout le monde dit que leur "authentique" chaise Hitchcock non signée a été fabriquée. Chaque fois que quelqu'un me dit qu'il s'agit d'un Hitchcock authentique, tout ce que je peux dire, c'est le prouver. À vrai dire, une antiquité signée Hitchcock n'a rien de spécial. Ces chaises ont été fabriquées en masse au 19ème siècle comme elles l'étaient au 20ème siècle. Ils ne seront jamais des antiquités chères pour cette raison et c'est pourquoi une nouvelle chaise de jonc à lattes en bon état vaut plus qu'une ancienne.

1948-1952, toutes les chaises étaient signées "L. HITCHCOCK HITCHCOCKSVILLE CONN GARANTIE" DANS UNE POLICE PLUS GRANDE QUE NORMALE AVEC LES DEUX "n" VERS L'ARRIÈRE ET CORRECTEMENT ÉCRITS. Hitchcock a fabriqué UNIQUEMENT des chaises assises en rush, des miroirs et quelques bancs et il semble qu'ils aient la signature qu'ils utilisent aujourd'hui avec la police plus grande. La première chaise à assise en bois Hitchcock jamais produite était la chaise Inn, et je ne suis toujours pas sûr de l'année exacte où elle a été proposée pour la première fois, mais c'était après 1952. TOUTES LES CHAISES HITCHCOCK FABRIQUÉES À PARTIR DE 1948 ONT LE « HCCo » ESTAMPÉ SUR LE BAS. Les chaises Hitchcock d'aujourd'hui ont été conçues à partir d'antiquités. Hitchcock chaise co. accepté de tamponner chaque pièce afin que les gens ne les confondent pas avec des antiquités.

1952 Hitchcock a utilisé le "HITCHCOCK ALFORD.&CO HITCHCOCKS-VILLE CONN. WARRANTED" avec le "R" cerclé pour une marque déposée (contrairement aux pièces antiques). Cette signature se retrouve principalement sur les miroirs. Le livre de la chaire Hitchcock ne dit pas spécifiquement quelles signatures ont été utilisées et quand au cours de cette période, juste au moment où les noms ont été enregistrés.

1955 - 2006 Toutes les chaises ont été signées comme nous les voyons habituellement avec le "L. HITCHCOCK HITCHCOCKSVILLE CONN WARRANTED" Avec le "n" à l'envers et la marque déposée. La marque déposée n'est pas toujours là car elle pourrait passer inaperçue lors du pochoir, ou elle s'effacerait. J'ai vu plus que quelques signatures floues ou incomplètes. Sa part de l'art.

ENTRETIEN DE VOS MEUBLES

Les meubles Hitchcock, comme la plupart des meubles modernes, avaient une finition laquée transparente. Pour cette raison, il vous suffit d'utiliser un savon doux et de l'eau. Je ne recommanderais pas d'utiliser des vernis ou des huiles. La finition de votre couche transparente que chaque pièce obtient est ce qui protège la finition. Les produits à polir, les huiles et les cires ne protégeront pas la finition de la couche transparente et auront en fait l'effet inverse. En fait, il rongera lentement la finition. (voir le paragraphe suivant)

Une autre chose que je recommande de faire (si vous le pouvez) est d'avoir des objets très utilisés tels que des tables et des chaises repeints avec de la laque. Lorsque vous voyez de la peinture s'effacer des accoudoirs des chaises, cela signifie que la laque transparente doit d'abord s'effacer. Cela fait vraiment un effort supplémentaire et presque personne ne le fait, mais si vous voulez qu'il dure encore plus longtemps et le rafraîchisse, je recommande une pulvérisation professionnelle (dans une cabine de peinture) avec une finition transparente satinée de qualité professionnelle.

La finition de ma chaise est collante et elle ne se nettoie pas.

Lorsque cela se produit, c'est généralement la finition de la couche transparente qui se décompose et la seule chose que vous pouvez faire est de décaper et de revernir la chaise. Cela se produit à cause des cires, des produits à polir et des huiles. Le plus grand coupable est l'huile de vos mains. Cela se produit le plus souvent au sommet de la chaise où vous les attrapez pour les déplacer. Ça arrive aussi là-bas parce que c'est l'endroit le plus poli

MOBILIER HITCHCOCK BLANC, BLONDE, JAUNE CLAIR, ETC

Comme vous pouvez le voir, cette section n'est vraiment qu'un méli-mélo d'informations. Quand je commence à avoir beaucoup de questions sur un sujet particulier, je le recherche au mieux de mes capacités et écris un court paragraphe ou 2 en espérant que cela aidera quelqu'un. J'ai vu beaucoup de meubles Hitchcock blancs répertoriés comme "blonde", "jaune", "blanc cassé", etc. La couleur est appelée "blanc". Ce n'est pas un réfrigérateur blanc, mais une sorte d'un blanc cassé crémeux. Maintenant, pourquoi les meubles blancs deviennent-ils jaunâtres après le temps que vous demandez ? C'est à cause d'une combinaison de 2 choses, le soleil et l'ambre. Jusqu'au début des années 90, la laque protectrice de tous les meubles contenait de l'ambre. Lorsque le soleil frappe l'ambre dans la finition, il le jaunit. Je ne peux pas commencer à vous dire combien de maris fumeurs je me suis décroché en expliquant que cela n'était pas causé par les effets de leur tabagisme. Aujourd'hui, il existe une véritable finition satinée et les nouveaux meubles Hitchcock blancs (comme la PLUPART de mes Noël) ne jaunissent jamais. Cela arrive vraiment à tous les meubles Hitchcock (et à tous les meubles) mais ce n'est vraiment que sur le blanc que vous le remarquez.

Il existe 2 types de sièges en jonc que je vois utilisés sur les chaises Hitchcock lorsqu'elles sont remplacées. Il y a du rush naturel qui est du rush de quenouilles cultivé dans une partie de l'état de New York (de toute façon Hitchcock chair co.'s) et du rush de fibre qui est du papier tordu. La chaise Hitchcock n'a JAMAIS utilisé de jonc de fibre. Leurs chaises sont toutes tissées à la main, c'est pourquoi elles sont si chères à remplacer. De plus, lors du remplacement du siège, l'avant, l'arrière et les côtés doivent être retirés. Les bouchons à l'avant doivent être percés pour retirer les vis. En remontant ensemble, de nouveaux bouchons doivent être fabriqués, rasés à la bonne taille et retouchés avec de la peinture ou de la teinture. Souvent, les pièces latérales sont cassantes et cassantes et doivent être remplacées. C'est pourquoi vous voyez des prix dans la fourchette de 150 $ à 200 $ pour le remplacement d'un siège. NE VOUS TROMPEZ PAS, UN SIÈGE RUSH NE PEUT JAMAIS ÊTRE RÉPARÉ, SEULEMENT REMPLACÉ. Si vous souhaitez embellir vos sièges, même la chaise Hitchcock recommandait une couche de SHELLAC toutes les quelques années. La gomme laque devrait, car elle a plus de flexibilité que la laque transparente, mais Hitchcock lui-même est passé à l'utilisation d'un mélange 50/50 de colle à bois et d'eau qui fonctionne très bien.


Formes et formes

Les fabricants de meubles anglais et américains produisaient des commodes de style Chippendale, des commodes hautes, des bureaux ou des coiffeuses, des bureaux, des caisses d'horloges hautes, c'est-à-dire des horloges grand-père et des tables de jeu et de salle à manger. Les frontons et les fleurons ornaient les sommets des pièces hautes. Les fauteuils et les chaises d'appoint sont devenus connus pour leurs motifs complexes sculptés ou percés dans le dos.

Les formes spécifiques des meubles variaient entre les deux pays ainsi que les différentes régions des colonies américaines. En Nouvelle-Angleterre, les chaises avaient souvent des civières entre les jambes, et les meubles de cas tels que les coffres de bureau avaient des panneaux avant concaves ou convexes connus sous le nom de blocage. Les coffres bombés aux côtés incurvés étaient principalement fabriqués à Boston.


Le mot "Renaissance" est un terme français signifiant "Renaissance".
Il est utilisé pour décrire un l'ère des nouvelles découvertes et de l'exploration de 1400-1600 environ.
Cette période a été une période de grande bouleversement politique et social – événements tels que le Réforme protestante eu un impact énorme sur la vie dans le monde occidental.
Il y avait aussi une augmentation de la pensée humaniste, qui a contesté la suprématie de l'église.
C'était aussi une période de grand développement dans la musique et les arts. De nouveaux styles et techniques se sont développés, tandis qu'il y avait aussi une « renaissance » de l'intérêt pour culture ancienne car les artistes et les compositeurs s'appuyaient souvent sur inspiration de la Grèce antique et de Rome.

Vous verrez souvent la musique de la Renaissance divisée en "Sacré" et "Séculier".
Bien que cette division ait ses limites, c'est un moyen très utile d'avoir une vue d'ensemble de la période.

Musique sacrée

La musique de la première Renaissance était dominée par le Messe latine en raison de suprématie de l'église catholique.
En conséquence, la musique sacrée était surtout messes polyphoniques et motets en latin pour une utilisation dans l'église.
Contrepoint modal était la technique de composition dominante (probablement en raison de sa relation étroite avec le plain-chant liturgique).

Ecoutez ces 2 exemples de musique sacrée de la Renaissance :

Lamentations I de Thomas Tallis
Credo de la messe en 4 parties de William Byrd

Bien qu'il y ait eu un mouvement constant d'éloignement de l'église à mesure que la pensée humaniste augmentait, les églises restaient des lieux très importants pour la formation des musiciens et des chanteurs.
Au fur et à mesure que la période avançait et que la Réforme protestante accéléré, la musique a été écrite pour être utilisée dans les églises protestantes – c'est-à-dire pas en latin et non déterminé par la structure de la messe catholique.

Musique profane

La musique profane au début de la Renaissance était très dépendante de la tribunaux, qui pourrait financer et soutenir les musiciens.
Des chansons profanes, comme le chanson, les madrigal et le Lied allemand (prononcé “Leed”) étaient très populaires.

Ecoutez ce madrigal de Monteverdi :

Cruda Amarilli par Monteverdi

Ecoutez cette pièce de Josquin Des Prez intitulée Mille Regretz.
Vous pouvez voir dans les paroles à quel point le sujet est émotif et comment cette profondeur a été capturée dans la musique :

Mille Regretz de Josquin Des Prez

Français d'origine :
Mille regrets de vous abandonner
Et d'eslonger vostre face amoureuse
Jay si grand duil et paine douloureuse
Quon me verra slip mes jours definer

Traduction anglaise:
Mille regrets de t'avoir abandonné,
et laissant derrière toi ton visage d'amour,
Je ressens tant de tristesse et une détresse si douloureuse,
il me semble que mes jours vont bientôt s'épuiser.

Compositeurs de la Renaissance

Les compositeurs du début de la Renaissance venaient principalement du nord de la France ou des Pays-Bas en raison du système judiciaire fort, qui soutenait les musiciens de ces régions.
À la fin de la Renaissance, l'Italie est devenue un centre musical de plus en plus important.
Voici quelques-uns des compositeurs les plus connus de la Renaissance :

Compositeurs du début de la Renaissance :

Guillaume Du Fay (1397-1474) – a écrit de la musique pour l'église basée sur le chant grégorien existant.
Jean Taverner (1490-1545)
Thomas Tallis (1505-1585) – a composé de la musique pendant les règnes de 4 monarques !! (Henri VIII, Edouard VI, Marie I et Elizabeth I). Son chef-d'œuvre est Spem dans Alium – "Chantez et glorifiez", qui comporte 40 parties distinctes.

Compositeurs de la Renaissance tardive :

Allegri (1582-1652) et Palestrine (1525-1594) – ont tous deux produit de vastes œuvres chorales.
Guillaume Byrd (1543-1623)
Monteverdi (1567-1643) – ses œuvres d'opéra ont été inspirées par le monde classique, liant étroitement la poésie et la musique et utilisant la musique pour susciter des émotions.

Instruments de la Renaissance

La Renaissance était une époque de grande invention et cela a eu un impact majeur sur la musique sous la forme de nouveaux instruments.
Les principaux instruments associés à la musique de la Renaissance sont :


Caravagisme (vers 1600-50) Techniques de peinture utilisées par le Caravage : clair-obscur, ténébrisme

Le terme caravagisme décrit les techniques de ténébrisme et de clair-obscur popularisées par le peintre maniériste italien radical Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610), et utilisées par lui dans son art religieux, ses peintures de genre et ses natures mortes, qui ont ensuite été largement adoptées par d'autres contemporains. artistes en Italie et dans toute l'Europe. En fait, non seulement son style a été largement copié - en particulier parce que son naturalisme en faisait un véhicule parfait pour l'art catholique de la contre-réforme - mais aussi son clair-obscur caractéristique est devenu un élément déterminant de la nouvelle ère de l'art baroque du XVIIe siècle, notamment dans le travail des portraitistes virtuoses Diego Velazquez et Rembrandt van Rijn. Ses compétences artistiques et sa réputation ont été acclamées par ses contemporains malgré son style de vie personnel violent, qui a conduit à sa disparition prématurée à l'âge de 38 ans, n'ayant réalisé qu'environ 60 à 70 peintures.

ÉVOLUTION DE L'ART VISUEL
Pour plus de détails sur les mouvements artistiques
et styles, voir : Histoire de l'art.
Pour un guide chronologique de
événements clés dans le développement
des arts visuels dans le monde
voir : Chronologie de l'histoire de l'art.

LES PLUS GRANDS ARTISTES DU MONDE
Pour plus de détails sur les meilleurs peintres :
Maîtres anciens (Peintres jusqu'en 1830)

LE PLUS GRAND ART DU MONDE
Pour une liste des 10 meilleurs peintres/
sculpteurs : meilleurs artistes de tous les temps.
Pour les meilleures huiles/aquarelles,
voir : Les plus grandes peintures de tous les temps.

QU'EST-CE QUE L'ART ?
Pour le sens de l'art, voir :
Définition de l'art.
Pour les différentes formes, voir :
Types d'art.

Les plus grands tableaux du Caravage

Les chefs-d'œuvre du Caravage comprennent :

• L'appel de Saint Matthieu (1599-1600) San Luigi dei Francesi, Rome.
• Le Martyre de Saint Matthieu (1599-1600) San Luigi dei Francesi, Rome.
• Conversion sur le chemin de Damas (1601) Santa Maria del Popolo, Rome.
• Crucifixion de Saint Pierre (1601) Chapelle Cerasi, Santa Maria del Popolo.
• Mort de la Vierge (1601-6) Louvre, Paris.
• La mise au tombeau du Christ (1601-3) Musées du Vatican, Rome.
• Amor Vincit Omnia (1602) Gemaldegalerie SMPK, Berlin.

Qu'est-ce que le caravagisme exactement ? - Caractéristiques

Contrairement à son principal contemporain Annibale Carracci (1540-1609), le Caravage a rejeté l'idéalisation conventionnelle, selon laquelle une peinture a été composée pour satisfaire davantage le goût de la grâce et de l'harmonie que de la vérité. Au lieu de cela, il a utilisé un réalisme audacieux et indécent, renforcé par un clair-obscur sombre et une utilisation dramatique de la lumière et de l'ombre (ténébrisme). Ses figures religieuses étaient basées sur des modèles masculins et féminins recrutés dans la rue, qu'il peignait directement d'après nature sans aucun dessin ni croquis préparatoire. En conséquence, il a réussi à créer un effet immédiat et puissant, dont la qualité dramatique a été accentuée tout au long de ses peintures par son utilisation de contrastes audacieux entre la lumière et l'obscurité.

Tous les mécènes n'ont pas trouvé à leur goût le traitement réaliste des thèmes religieux par le Caravage, ce qui a conduit au rejet de plusieurs de ses œuvres. Cependant, en raison de sa célébrité populiste, ces commissions rejetées étaient généralement récupérées par des cardinaux et de riches nobles.

Ténébrisme contre clair-obscur

Le caravagisme englobe à la fois le clair-obscur et le ténébrisme. Parce que les deux techniques impliquent l'utilisation prononcée de la lumière et de l'ombre, elles peuvent être confondues, même s'il existe une nette différence théorique entre les deux termes. Le clair-obscur est une méthode d'ombrage qui est utilisée pour donner aux figures une impression de volume en trois dimensions. Le ténébrisme est l'endroit où un artiste garde certaines zones d'une peinture totalement noires, permettant à une ou deux zones d'être fortement éclairées par comparaison. Le ténébrisme permet ainsi à l'artiste de contrôler « l'action » dans sa toile.

Qui étaient les Caravagistes les plus importants ?

Le style de ténébrisme caractéristique du Caravage a influencé le développement de l'art baroque flamand et du baroque néerlandais voisin, ainsi que de l'art baroque espagnol. Les principaux représentants du style caravagesque comprenaient les éminents italiens Orazio Gentileschi (1563-1639), sa fille exceptionnelle Artemisia Gentileschi (1593�) - mieux connue pour son chef-d'œuvre bien usé Judith décapitant Holopherne (1620, Offices, Florence) - et le peintre de scènes de taverne Bartolomeo Manfredi (1582-1622), ainsi que l'Espagnol Jusepe Ribera (1591-1652), basé à Naples, connu pour ses travaux religieux intenses.

En raison de l'influence du quiétisme (qui préférait le contact le plus étroit possible entre l'artiste et le spectateur : un avantage clé des figures réalistes du Caravage), Naples est devenue une source importante de peintures religieuses de la Contre-Réforme et un centre important du caravagisme. En plus de Ribera, les praticiens comprenaient Battistello Caracciolo (1578-1635), Mattia Preti (1613-99), Guido Reni (1575-1642) et bien d'autres. Pour en savoir plus, voir : Le Caravage à Naples ainsi que Peinture à Naples (1600-1700). Pour l'art caravagesque du début du XVIIe siècle à Naples, voir : École de peinture napolitaine (1600-56) pour les artistes ultérieurs, veuillez consulter : Baroque napolitain (c.1650-1700).

En Hollande, où l'école du réalisme hollandais d'Utrecht était le principal centre du caravagisme du Nord, les principaux représentants étaient les peintres religieux et de genre Gerrit van Honthorst (1590-1656), Hendrik Terbrugghen (1588-1629) et Dirck van Baburen (1595- 1624). Le Caravage a également eu une influence majeure sur Rembrandt (1606-1669), notamment son utilisation du clair-obscur dramatique. En Espagne, Francisco Zurbaran (1598-1664) était un disciple en France, si Georges de La Tour (1593-1652) a fourni l'interprétation la plus lyrique du caravagisme, ce sont les frères Le Nain qui lui ont injecté un véritable réalisme caravagiste en Angleterre. Joseph Wright of Derby (1734-97), créateur du célèbre chef-d'œuvre Une expérience sur un oiseau dans la pompe à air (1768, National Gallery, Londres), était un disciple hors pair.

Le caravagisme est d'abord passé de mode à Rome, à la fin des années 1620, bien qu'il persiste ailleurs en Italie, notamment en Sicile. Dans les Pays-Bas d'Utrecht et de l'est de la France, il est resté influent jusque dans les années 1650.

Contribution aux Beaux-Arts

Le traitement de la lumière et de l'ombre par le caravagisme a contribué à revigorer la peinture italienne en améliorant la tridimensionnalité des figures. De plus, cela permettait aux artistes de contrôler la mise au point de la peinture, augmentant ainsi son contenu dramatique. Enfin, entre les mains d'un peintre virtuose comme Rembrandt, elle a permis une plus grande profondeur émotionnelle et une plus grande caractérisation. Tous ces attributs ont été saisis par des artistes réalistes néerlandais et par des peintres du XVIIe siècle travaillant sur la peinture d'histoire religieuse liée au mouvement inspirant de la Contre-Réforme catholique, connu sous le nom de baroque.

Des œuvres de célèbres Caravagistes peuvent être vues dans certains des meilleurs musées d'art du monde.


À quelle période les rubriques de signature ont-elles été utilisées ? - Histoire

Bloomsbury Auctions/BNPS Cette tablette vieille de 5 000 ans représentant la fabrication de la bière et une transaction de vente signée a été vendue 230 000 $.

Un riche collectionneur américain vient d'acheter une ancienne tablette sumérienne pour 230 000 $.

Selon le site d'actualités archéologiques Origines anciennes, la tablette sumérienne a été découverte pour la première fois sur le site de l'ancienne ville d'Uruk située dans l'ancienne Mésopotamie, ou aujourd'hui l'Irak d'aujourd'hui. Il faisait partie de la collection privée Schøyen, une collection de tablettes et de manuscrits remontant à l'histoire écrite ancienne.

La tablette elle-même est un artefact unique en son genre, non seulement en raison de son inscription détaillée sur une ancienne vente de bière, mais aussi parce qu'elle contient ce que beaucoup pensent être la première signature mondiale.

Les symboles dans le coin supérieur gauche de la tablette - la signature supposée - se traduisent par ‘KU’ et ‘SIM’, ce que les experts ont interprété comme épelant le nom ‘Kushim.’ Le nom était peut-être celui d'un gouvernement scribe qui a créé l'enregistrement sur la tablette d'argile à des fins administratives.

Cependant, d'autres soupçonnent que ‘Kushim’ pourrait être le nom d'une agence gouvernementale ou d'un titre plutôt que d'une personne en particulier. Le nom inscrit a été retrouvé dans 17 autres tablettes. Sur certains d'entre eux, le nom est adressé comme ‘Sanga’ ou administrateur du temple.

MOD Site de l'ancienne ville d'Uruk où la tablette sumérienne a été trouvée.

L'auteur israélien Y. N. Harari, qui a écrit le livre historique Sapiens : une brève histoire de l'humanité, a noté que l'inscription sur l'ancienne tablette se lit comme suit : « mesure l'orge 37 mois Kushim ».

La gravure a été interprétée comme une sorte de reçu pour l'achat d'orge qui était couramment utilisée pour brasser de la bière sumérienne. D'autres symboles sur la tablette représentent le processus industriel de brassage de la bière à l'aide d'orge ou de maïs jusqu'à ce qu'elle devienne un pot de bière.

Le processus semble avoir lieu dans un temple de l'ancienne Mésopotamie vers 3 100 av.

Dans le cadre d'une collection privée, l'artefact historique qui mesure trois pouces sur trois a été vendu aux enchères sous Bloomsbury Auctions, une maison de vente aux enchères basée à Londres, au Royaume-Uni.

"On n'a que peu d'occasions de travailler avec un objet d'une telle importance, marquant une étape importante dans l'invention humaine peut-être la plus importante - l'écriture", a déclaré Timothy Bolton, spécialiste chez Bloomsbury Auctions.

Il a poursuivi: "Nos noms sont importants pour nous, ils sont une partie fondamentale de notre identité et probablement la première chose qu'un enfant apprend sur lui-même."

L'artefact devait rapporter une somme de 90 000 £, soit un peu moins de 200 000 $. Mais les enchérisseurs à la vente aux enchères ont montré un grand enthousiasme pour la tablette qui porte peut-être le premier nom personnel connu enregistré par écrit. En fin de compte, la tablette sumérienne est allée à un collectionneur privé américain pour 230 000 $.

D'autres tablettes d'enregistrement ont été trouvées à Sumer, la plus ancienne civilisation connue dans la région de l'ancienne Mésopotamie, représentant la culture de la bière de la population. Une tablette sumérienne montre des personnes buvant de la bière avec une longue paille.

British Museum Une tablette différente de l'ancienne Mésopotamie représentant des rations possibles pour la bière.

La bière faisait partie intégrante du mode de vie sumérien, possédant une signification dans la religion et la société, et démontrant même une valeur monétaire, car les experts pensent que la boisson était également utilisée pour payer les travailleurs. Sans aucun doute, ces tablettes sont une source d'histoire incroyablement précieuse.

Mais les tablettes sumériennes sont devenues une denrée de plus en plus prisée sur le marché des antiquités, comme le montre l'enchère élevée pour cette tablette. Beaucoup de ces artefacts ont probablement été excavés illégalement et pillés en Irak au milieu de l'instabilité des guerres de la région.

Comme Craig Barker, archéologue classique et éducateur de musée basé à Sydney, en Australie, l'a écrit : « Le pillage est considéré comme l'un des pires actes de vandalisme culturel des temps modernes, mais une grande partie de la riche histoire culturelle de l'Irak a été détruite. , endommagé ou volé dans les années qui ont suivi.”

En 2018, environ 450 tablettes sumériennes volées ont été rapatriées des États-Unis en Irak. Pourtant, les experts s'accordent à dire qu'il s'agissait d'une petite restitution par rapport à l'ampleur du vol d'artefacts qui a longtemps envahi le domaine de l'archéologie dans le monde entier.

Peut-être qu'un jour, la tablette de signature de Sumer reviendra à ses origines en Irak afin qu'elle puisse bénéficier à la connaissance du public plutôt que de rester les bras croisés dans le cabinet d'un propriétaire privé.


La décomposition de la thèse

Les 3 grandes thèses à retenir :

  • A établi une réclamation historique défendable/exacte
  • Créer une ligne de raisonnement
  • Évaluer l'invite

L'exigence de la thèse selon la rubrique d'histoire de l'AP US :

Répond à l'invite avec une thèse/une affirmation historiquement défendable qui établit une ligne de raisonnement.

Historiquement, la thèse est le plus grand combat pour les étudiants.

Pourtant, la thèse est la partie la plus importante du DBQ. Pourquoi la thèse est-elle la partie la plus importante ?

La thèse donne le ton à l'ensemble de l'essai et décrit clairement les arguments que l'essai défendra.

En termes simples, sans une thèse solide, vous ne pouvez pas avoir un essai solide.

Comment créer une thèse solide ?

1) Établir une revendication historiquement défendable

A historical defensible claim simply means is the argument you present in the thesis historical accurate.

For the thesis, you must make a claim or an argument. This claim/argument is what you will be supporting and defending throughout the essay.

So if your claim/argument is not historical accurate, or historical defensible, then you will not be able to support it with historical evidence.

2) Establish a line of reasoning

A line of reasoning is simply the reasons you present to support your argument/claim.

Any good thesis will make a historical defensible claim/argument.

A line of reasoning is- what are your reasons for making this historical defensible claim/argument.

Typically, each of the reasons you provide in your thesis will each be addressed in a body paragraph.

So the line of reasoning lets the exam reader know what your body paragraphs will be about.

3) Evaluates the prompt

The prompt will ask you to evaluate the extent of a historical development.

Your thesis must clearly state your evaluation of the extent of the historical development.

One way to think about it: To what degree did the development influence the time period provided in the prompt.

For some examples, look at the “Grader’s Perspective” below.

BONUS) Practice writing a thesis

Yes, it is ok to practice writing a thesis.

In fact, Chris and Paul HIGHLY recommend you practice writing a thesis.

Practice writing a thesis.

Go find to the College Board website and get the released essay questions and practice writing a good thesis for the essays.

And make sure to read this part.

The thesis should be 2-3 sentences long.

EXAMPLE THESIS

Prompt: Evaluate the relative importance of different factors that caused the movement for American Independence between 1754 and 1776. In your response, consider both the underlying forces and specific events that contributed to the growing support for independence.

Practice: Write a practice thesis for the prompt above.

When you are done, click the toggles below.

There were many reasons for the American Revolution. The colonists were angry at the British and wanted to revolt. There were also many events that led to the Revolution between 1754 and 1776.

There were a number of factors that caused Americans to revolt during the twenty years prior to the Revolution. The British did not let the colonies have their own trade. They also violated a number of individual rights. Events that showed these violations were acts such as the Stamp Act and Intolerable Acts. Probably, the most important reason was the violation of natural rights for without these there is no freedom.

In short, though the Enlightenment principles of Locke’s social contract and the belief in inalienable rights were a strong foundation for the revolution, the fact was that the colonists would not tolerate a perceived stifling of their economic rights. Excessive taxation and denial of economic self-sufficiency for well over a century were the true causes of this revolution. Enjoying the fruits of their own labor and economic liberty were prizes too big not to revolt.

Which of these theses is most likely to get the thesis point?

Another way to ask this question is which thesis clearly outlines the student’s position on the topic, and states exactly what the student will defend in the essay? Let’s look at the three thesis examples again.

Thesis #1: The student does not establish a line of reasoning for their essay. Stating the colonists were angry does not indicate the factors that caused this anger. The introduction sentences also do not introduce the relative importance of any factors.

Thesis #2: The thesis is found in the introduction paragraph. It states that British violated economic and natural rights and states the relative importance by elevating natural rights by stating that there is no liberty without protections of natural rights. Though the thesis is simplistic, it gets over the bar by making a claim it will try to substantiate.

Thesis #3: The student correctly identifies the underlying forces for the revolution as economic discrimination against the colonists and violations of enlightenment principles by the Crown. The student also maintains that the economic reasons for revolting were more significant thus pointing directly to the relative importance of the two factors.

READER TIP: If the prompt asks the student to “evaluate” or state “how much”, the thesis must state to what extent. If you do not specifically evaluate to this extent, you will not get the point.

Where should you put the thesis?

Ideally, the thesis should be placed in the introduction.

However, the thesis can be in the conclusion.

Why is the introduction better?

Because if the thesis is the first thing you write, it will then be in the introduction and it will give you direction and clarity on what to write for the remainder of the essay.


About the Fashion

L ouis XIV came onto the throne in 1643 and then started to exercise absolute power based on the concept of divine right, which means that he received his authority directly from God, as Fleming notes. Louis XIV, also known as Sun King, chose fashion as the medium of royal authority. Art historian Philip Mansel explains the role of fashion from Louis XIV to Elizabeth II in his book Dressed to Rule (2005):

“The right dress was believed to encourage loyalty, satisfy vanity, impress outer world, and help royal industries” (xiv).

Louis XIV took advantage of fashion to the fullest. For him, fashion was a way of expressing the extremely aesthetic personal taste, an effective means of regulating the aristocracy with a lot of sumptuary laws, a key instrument of developing the national economy, and a signal that France was now the center of Europe. By the mid-seventeenth century, France emerged as the most powerful country in Europe and, in natural corollary, the fashion capital was moved to Paris from Madrid. He executed fashion reform against the rigid and religious style of the Spanish, as Kimberly Chrisman-Campbell notes in her essay “The King of Couture”:

“The fashions he introduced were colorful, voluminous and ornamental, which were the antithesis of the austere Spanish style. One of the innovations was to mandate that new textiles appeared seasonally, twice a year, and fashion too changed seasonally in France.”

In this context, the Baroque style that Louis needed to enchant the world and also to suppress his nobles came on the scene.

Fleming observes that in this portrait, every detail is showing the divine authority and the majesty of Louis XIV. Especially the embroidered coronation robe reinforces the supremacy of the monarch. The black-and-white ermine fur and the blue-and-gold fleur-de-lys are symbols of the French monarchy. The royal sword fastened to his hip represents his military might, and the royal scepter and the crown confirm his royal authority.

However, Louis XIV is not following all the high-end details of those times. As Abigail Westover emphasizes, unlike the earlier period, where bodice, sleeves, skirts, jackets, and breeches were made to mix and match, clothing in this period was made as separate and entire matching outfits, often made of same fabrics, which is called ‘en suite’. The coat or justaucorps, waistcoat, and breeches were a suiting ensemble. Souvent le justaucorps and waistcoat were heavily decorated with gold, silver or colored braid and embroidery (Fig. 9). Phyllis G. Tortora and Sara B. Marcketti explained the breeches in this period in Survey of Historic Costume (2015):

“By 1680 the breeches got more fitted and became knee-length, and at the end of the century were very tight and fastened by buttons or a buckle at the outside of the knee. Knee-length stockings were worn with those knee-breeches.” (153)

Instead of wearing the justaucorps and knee-length breeches, which were predominant in Baroque age (Fig. 9), Louis XIV is wearing the traditional white metallic doublet and the trunk hose or short breeches. Figures 6, 7 and 8 respectively display Louis XV at the age of 5, Louis XV at the age of 20 and Charles X. These royal figures are wearing almost the same garments with their coronation gowns regardless of the time period. They are wearing white stockings, white metallic short breeches revealing their leg lines, puffy lace sleeves and the cravat in common. It can be assumed that these were established as the tradition for the royal portrait with a coronation gown in France from the time of Louis XIV. Louis XIV may have wanted to present the consistent image of unchangeable legitimacy or permanent authority, and his descendants were likely eager to appear like him.

Fig. 6 - Hyacinthe Rigaud (French, 1659-1743). Louis XV (1710–1774) as a Child, 1730. Oil on canvas 195.6 x 141 cm (77 x 55 1/2 in). New York: The Metropolitan Museum of Art, 60.6. Purchase, Mary Wetmore Shively Bequest, in memory of her husband, Henry L. Shively, M.D., 1960. Source: The Met

Fig. 7 - Hyacinthe Rigaud (French, 1659-1743). Louis XV, King of France, 1730. Oil on canvas 271 x 194 cm (106.7 x 76.4 in). Versailles: Palace de Versailles. Source: Wikimedia

Fig. 8 - Jean-Baptiste Paulin Guérin (1783–1855 (French, 1783–1855). Portrait of the King Charles X of France in his coronation robes, 1827. Oil on canvas. Source: Wikimedia

Fig. 9 - Jacob Ferdinand Voet (Flemish, 1639-1689). Portrait of Don Luis de la Cerda, later IX Duke of Medinaceli, Californie. 1684. Oil on canvas 231 x 173 cm (90.9 x 68.1 in). Madrid: Museo del Prado. Source: Wikimedia

Diagram of referenced dress features.
Source: Author

Fig. 10 - Arist unknown. Portrait of Louis XIV, Californie. 1670. Oil on canvas 196.5 x 159 cm (77.4 x 159 in). Versailles: Palace of Versailles, MV 8369. Source: Wikimedia

Nonetheless, the portrait shows several key characteristics of Baroque style in menswear, which may seem effeminate by today’s standards. The first thing to be noted is the great periwig. From 1670 until after the end of the century, the full-bottomed periwig was prevailing. In the 1670s, the periwig was a natural hair style, curled and flowing. By the end of the century, it became very large and was divided at the high center into two peaks, which is called double peak (Brown 137). Doreen Yarwood explains this in European Costume: 4000 Years of Fashion (1982):

“It was then arranged with a center parting and in a mass of curls and ringlets which rose to a peak on each side of the parting. These then cascaded over the shoulders and down the back nearly to the waist.” (158)

This great wig made hats and collars superfluous. Men always carried a hat, usually under the arm, but rarely wore it. Some wigs were dusted with power to make them white, but most were worn in natural colors (Tortora 154).

Another key feature of Baroque age is the red-heeled shoes, the king’s signature. He is wearing the square-toed shoes with the red tongue, the red sole and the red heel. The tongue is turned back to show the lining collar of red (Brown 136). Unlike in earlier periods, the size of the tongue seems more reasonable. These red heels became one of the most popular and predominant trends in Europe. Mansel points out an interesting example regarding this in his book Dressed to Rule (2005):

“Even William III of Orange, one of the Louis’s most hostile enemies wore red heels after Louis XIV attacked the Dutch Republic.” (15)

The cravat is also a significant factor of Baroque style. The relatively huge collar in the earlier period was replaced with the cravat, a separate necktie from the shirt. With the advent of the justaucorps, the style of cravat became more sophisticated. It was tied around the throat in a bow and hung down in folds over the chest. The neck cravat was fringed or lace-trimmed (Yarwood 162). The Sun King is wearing a delicate lace cravat. The cravat with the expensive lace was reserved for formal use, and a long and plain linen cravat or steinkirk was worn more frequently for both men and women (Brown 137). Here Louis XIV’s fine lace cravat nicely matches with the lace sleeve cuff gathered in at the wrist, which is also one of main characteristics of Baroque costumes. It is interesting to see the doublet cuff turned back to reveal this lace sleeve cuff.

Figure 10 shows Louis XIV at the age of 23. The style is not yet the typical baroque style since he still had features from previous period such as heavy use of ribbons at the shoulder, the sash around the waist and the ribbon embellishment on the shoes. However, many Baroque style elements are also found. He is wearing the new style of knee-length coat or justaucorps, fitted breeches, square-toed shoes, the lace cravat and the full-bottomed wig. In this regard, calling him a trend setter is no hyperbole.