Bonnie Raitt

Bonnie Raitt (Site officiel) : "Née dans une famille de musiciens, la neuf fois lauréate d'un Grammy est la fille du célèbre chanteur de Broadway John Raitt (Carousel, Oklahoma !, The Pyjama Game) et de la pianiste/chanteuse accomplie Marge Goddard. Elle a été élevée à Los Angeles dans un climat de respect pour les arts, les traditions quaker et un engagement pour l'activisme social. Une guitare Stella qui lui a été offerte comme cadeau de Noël a lancé Bonnie dans son voyage créatif à l'âge de huit ans. En grandissant, bien que passionnée à propos de la musique depuis le début, elle n'a jamais pensé que cela jouerait un rôle plus important que comme l'un de ses nombreux intérêts croissants. À la fin des années 60, agitée à Los Angeles, elle a déménagé à l'est de Cambridge, Massachusetts. En tant qu'étudiante à Harvard/Radcliffe avec une spécialisation en relations sociales et études africaines, elle a suivi des cours et s'est immergée dans les activités culturelles et politiques turbulentes de la ville. « J'avais hâte de retourner là où il y avait des folkies et des mouvements anti-guerre et des droits civiques ». elle dit. "Il y avait tellement de grandes scènes musicales et politiques à la fin des années 60 à Cambridge." De plus, ajoute-t-elle en riant, "le ratio garçons/filles à Harvard était de quatre pour un, donc toutes ces choses jouaient dans ma tête".

Bonnie Raitt (Site Web non officiel) : « Bonnie Raitt - l'une des chanteuses de R&B blanches les plus admirées par la critique mais les plus ignorées commercialement dans l'histoire de la musique populaire, Bonnie Raitt n'a obtenu le succès et le respect qu'elle avait si manifestement mérité avec son dixième album, près de 20 Des années après ses débuts sur disque, la fille de la star de Broadway John Raitt (de Carousel et The Pajama Game renommée), Bonnie Raitt (née en 1949) a d'abord été captivée par le blues et a commencé à apprendre la guitare à l'âge de 12 ans. en 1969, elle a commencé à jouer sur le circuit folk et blues américain, faisant tourner les têtes en raison de sa capacité - presque unique chez une femme blanche - à jouer de la guitare à goulot d'étranglement crédible. Elle est devenue amie avec de nombreuses légendes du blues survivantes, y compris Howlin' Wolf, Mississippi Fred McDowell et en particulier Sippie Wallace, avec qui elle a ensuite enregistré."

Wikipedia : « À l'automne 1970, alors qu'il faisait la première partie de Fred McDowell au Gaslight Cafe de New York, un journaliste du Newsweek Magazine l'a vue et a commencé à faire connaître sa performance. son jeu. Elle a finalement accepté une offre avec Warner Bros. qui a rapidement sorti son premier album éponyme, Bonnie Raitt, en 1971. L'album a été chaleureusement accueilli par la presse musicale, dont beaucoup ont loué ses compétences en tant qu'interprète et en tant que guitariste de goulot d'étranglement. ; à l'époque, très peu de femmes dans la musique populaire avaient une solide réputation en tant que guitaristes. Bien qu'admirée par ceux qui la voyaient jouer et respectée par ses pairs, Raitt n'a guère été acclamée par le public pour son travail. Sa stature critique a continué de croître mais des ventes record est restée modeste. Son deuxième album, Give It Up, est sorti en 1972 et a été acclamé par tous, et bien que de nombreux critiques le considèrent toujours comme son meilleur travail, cela n'a pas changé sa fortune commerciale. o a été acclamé par la critique, mais ces avis ne correspondaient pas aux ventes. Raitt commençait à recevoir une plus grande couverture médiatique, y compris un article de couverture pour le magazine Rolling Stone en 1975, mais avec Streetlights de 1974, les critiques pour son travail devenaient de plus en plus mitigées. À ce moment-là, Raitt expérimentait déjà avec différents producteurs et différents styles, et elle a commencé à adopter un son plus grand public qui s'est poursuivi jusqu'à Home Plate en 1975. »

Bonnie Raitt (Site officiel) : « Après avoir conclu une alliance avec Capitol Records en 1989, Bonnie a atteint de nouveaux niveaux d'acclamation populaire et critique. Elle a remporté quatre Grammy Awards en 1990, trois pour son album Nick of Time et un pour son duo avec John Lee Hooker sur son album révolutionnaire, The Healer. En quelques semaines, Nick of Time est devenu numéro un (il est maintenant certifié quintuple platine). Luck of the Draw (1991, sept fois platine) a apporté encore plus de succès, tirant deux singles à succès - "Something to Talk About" et "I Can't Make You Love Me" - en haut des charts, et en ajoutant trois autres Grammys à son étagère. Le double platine Longing in Their Hearts, sorti en 1994, présentait le single " Love Sneakin' Up On You" et a reçu un Grammy du meilleur album pop. Il a été suivi en 1995 par le double CD live et le film Road Tested (maintenant disponible en DVD)."

Wikipedia : "Après plus de vingt ans à chanter et enregistrer de la musique populaire, Bonnie Raitt a connu un immense succès avec son 10e album. Sorti en 1989, Nick of Time s'est hissé au sommet des charts américains et a remporté trois Grammy Awards. En même temps , elle a remporté un quatrième Grammy Award pour son duo "In the Mood" avec John Lee Hooker sur son album The Healer. Elle a poursuivi ce succès avec trois autres Grammy Awards pour son album de 1991, Luck of the Draw, qui contient le "I Can't Make You Love Me", souvent considéré comme l'une des meilleures ballades de tous les temps. "I Can't Make You Love Me" est notoirement difficile à chanter, comme beaucoup de ceux qui l'ont essayé l'ont découvert . Trois ans plus tard, en 1994, elle ajoute deux autres Grammy avec son album Longing in Their Hearts. Ces deux albums sont des succès multi-platine. La collaboration de Raitt avec Was prendra fin à l'amiable avec la sortie live de 1995, Road Tested. Sortie aux avis solides, il s'est assez bien vendu pour être certifié ed or."


Valeur nette de Bonnie Raitt 2021 : âge, taille, poids, mari, enfants, Bio-Wiki

Bonnie est une chanteuse américaine dont la carrière musicale a commencé dans les années 1970. Elle a sorti plusieurs albums incorporant des éléments rock, country, blues et folk. Ses chansons ont été relativement reçues mais n'ont pas bien marché commercialement à cette époque. Sa rupture est survenue en 1989 lorsqu'elle a sorti son dixième album Juste à temps.

Ses onzième et douzième albums, qu'elle a sortis respectivement en 1991 et 1994, ont également été des succès majeurs générant des millions de dollars de revenus. Depuis lors, Bonnie a sorti un certain nombre d'albums et de singles, qui ont été des succès majeurs et ont complété le palmarès Billboard. Au cours de sa carrière musicale, elle a remporté 10 Grammy Awards, entre autres distinctions majeures. Vocalement, elle est l'une des musiciennes les plus douées au monde.

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Bonnie Raitt

Bonnie Raitt, (née le 8 novembre 1949) est une chanteuse, compositrice et guitariste américaine de blues et de R&B née à Burbank, en Californie, fille de la star de la comédie musicale John Raitt.

Raitt a commencé à jouer de la guitare à un jeune âge, ce que peu de ses copines du lycée ont fait. "J'avais joué un peu à l'école et au camp", se souvient-elle plus tard dans une interview en juillet 2002. "Mes parents me traînaient pour jouer pour ma famille, comme tous les parents, mais c'était un passe-temps, rien de plus&8230Je pense que les gens doivent se demander comment une fille blanche comme moi est devenue guitariste de blues. La vérité, c'est que je n'ai jamais eu l'intention de faire ça pour gagner ma vie. J'ai grandi dans une famille Quaker, et pour moi, être Quaker était une vocation politique plutôt que religieuse.

En 1967, Raitt a poursuivi sa quête dans cette voie lorsqu'elle est entrée au Radcliffe College de Harvard en tant que première année, se spécialisant en études africaines. « Mon plan était de me rendre en Tanzanie, où le président Julius Nyerere créait un gouvernement basé sur la démocratie et le socialisme », a rappelé Raitt. "Je voulais aider à réparer les dommages que le colonialisme occidental avait causés aux cultures indigènes du monde entier. Cambridge était un foyer de ce genre de réflexion, et j'étais ravi."

Un jour, Raitt a été informée par un ami que le promoteur de blues Dick Waterman donnait une interview à WHRB, la station de radio universitaire de Harvard. Figure importante du renouveau du blues des années 1960, Waterman était aussi un résident de Cambridge. Raitt est allée voir Waterman, et les deux sont rapidement devenus amis, "au grand dam de mes parents, qui ne s'attendaient pas à ce que leur fille de première année coure avec des bluesmen de 65 ans", se souvient Raitt. "J'ai été émerveillé par sa passion pour la musique et l'intégrité avec laquelle il dirigeait les musiciens."

Au cours de la deuxième année de Raitt, Waterman a déménagé à Philadelphie et un certain nombre de musiciens locaux qu'il comptait parmi ses amis l'ont accompagné. Raitt était devenue un élément important de cette communauté, se rappelant que « ces personnes étaient devenues mes amis, mes mentors, et bien que j'avais la ferme intention d'obtenir mon diplôme, j'ai décidé de prendre le semestre de congé et de déménager à Philadelphie ». les filles n'ont tout simplement pas, et en fin de compte, une opportunité qui a tout changé.

Raitt est finalement retournée à l'école, mais son passage à Philadelphie l'a encouragée à poursuivre sa carrière musicale. Lorsque Waterman l'a contactée et l'a invitée à faire une tournée avec les Rolling Stones, elle a fait un deuxième voyage au bureau des admissions de Radcliffe et leur a dit: "Je vais prendre un congé, mais cela ne durera qu'un an. " Comme Raitt s'en souviendra plus tard, "Imaginez avoir 20 ans en 1970, ne seriez-vous pas parti en tournée avec les Rolling Stones ?"

À l'heure actuelle, Raitt jouait également à la fois dans des clubs folkloriques et rythmiques et blues de la région de Boston, se produisant aux côtés de légendes du blues établies comme Howlin' Wolf, Sippie Wallace et Mississippi Fred McDowell, qu'elle a tous rencontrés via Waterman. À l'automne 1970, alors qu'elle faisait la première partie de Fred McDowell au Gaslight Cafe de New York, un journaliste du Newsweek Magazine la vit et commença à faire connaître sa performance. Les scouts des grandes maisons de disques assistèrent bientôt à ses spectacles pour la regarder jouer. Elle a finalement accepté une offre avec Warner Bros. qui a rapidement sorti son premier album éponyme en 1971. L'album a été chaleureusement accueilli par la presse musicale, dont beaucoup ont loué ses compétences en tant qu'interprète et en tant que guitariste de goulot d'étranglement à l'époque, très peu de femmes dans la musique populaire avait une solide réputation en tant que guitaristes.

Bien qu'admirée par ceux qui l'ont vue sur scène et respectée par ses pairs, Raitt n'a guère été acclamée par le public pour son travail. Sa stature critique a continué de croître mais les ventes record sont restées modestes. Son deuxième album, Give It Up, est sorti en 1972 avec un succès universel, et bien que de nombreux critiques le considèrent toujours comme son meilleur travail, cela n'a pas changé sa fortune commerciale. 1973's Takin' My Time a également été acclamé par la critique, mais ces avis n'ont pas été égalés par les ventes.

Raitt commençait à recevoir une plus grande couverture médiatique, y compris une couverture de 1975 pour le magazine Rolling Stone, mais avec les Streetlights des années 1974, les critiques pour son travail devenaient de plus en plus mitigées. À ce jour, Raitt expérimentait déjà avec différents producteurs et différents styles, et elle a commencé à adopter un son plus grand public qui s'est poursuivi jusqu'à la Home Plate des années 1975.

En 1976, Raitt a fait une apparition notable sur l'album éponyme de Warren Zevon avec l'ami de Warren Zevon Jackson Browne et Lindsey Buckingham de Fleetwood Mac et Stevie Nicks.

Sweet Forgiveness des années 1977 a donné à Raitt sa première percée commerciale lorsqu'elle a produit un single à succès dans sa reprise de "Runaway" de Del Shannon. a été décrié par de nombreux critiques, mais son succès commercial a déclenché une guerre d'enchères entre Warner Bros. et Columbia Records. "Il y avait cette grande guerre entre Columbia et Warner à l'époque", se souvient Raitt dans une interview en 1990. "James Taylor venait de quitter Warner Bros. et de faire un gros album pour Columbia & puis, Warners a signé Paul Simon loin de Columbia, et ils ne voulaient pas que j'aie un album à succès pour Columbia - quoi qu'il arrive ! J'ai donc renégocié mon contrat, et ils correspondaient essentiellement à l'offre de Columbia. Franchement, l'affaire était vraiment une grosse affaire. »

Warner Bros. avait des attentes plus élevées pour le prochain album de Raitt, The Glow de 1979, mais il a été publié avec de mauvaises critiques ainsi que des ventes modestes. Raitt connaîtra un succès commercial en 1979 lorsqu'elle participe à l'organisation des cinq concerts MUSE (Musicians United for Safe Energy) au Madison Square Garden. Les émissions ont donné naissance à un album d'or à trois disques ainsi qu'à un long métrage de Warner Bros., No Nukes. Les émissions présentaient les co-fondateurs Jackson Browne, Graham Nash, John Hall et Raitt ainsi que Bruce Springsteen, Tom Petty and the Heartbreakers, The Doobie Brothers, James Taylor, Gil Scott-Heron et de nombreux autres.

Pour son prochain disque, 1982&# x27s Green Light, Raitt a fait une tentative consciente de revisiter le son de ses disques précédents, mais à sa grande surprise, beaucoup de ses pairs et membres de la presse ont comparé son nouveau son au mouvement New Wave en plein essor. . L'album a reçu ses meilleures critiques depuis des années, mais ses ventes ne se sont pas améliorées et cela aurait un impact sévère sur sa relation avec Warner Bros.

En 1983, alors que Raitt terminait le travail sur son album de suivi, intitulé Tongue & Groove, Warner Bros. nettoyait la maison, supprimant un certain nombre d'artistes majeurs de leur liste. Van Morrison et Arlo Guthrie étaient deux des cas les plus médiatisés, et le lendemain de la fin du mastering sur Tongue & Groove, Raitt a été informée qu'elle devait également être abandonnée. L'album a été mis de côté pour une durée indéterminée et Raitt s'est retrouvée sans étiquette. À ce moment-là, Raitt était également aux prises avec l'abus d'alcool et de drogues.

Malgré ses problèmes personnels et professionnels, Raitt a continué à faire des tournées et à participer à l'activisme politique. En 1985, elle a chanté et est apparue dans la vidéo de "Sun City", le disque anti-apartheid écrit et produit par Steven Van Zandt. Parallèlement à sa participation aux concerts de Farm Aid et d'Amnesty International, Raitt se rendra plus tard à Moscou en 1987 dans le cadre du premier concert de paix soviéto-américain diffusé plus tard à la télévision Showtime. Toujours en 1987, Raitt organiserait un bénéfice à Los Angeles, pour Countdown ➇ to Stop Contra Aid, mettant en vedette elle-même, Don Henley, Herbie Hancock, Holly Near et d'autres.

Deux ans après l'avoir abandonnée de leur label, Warner Bros. a informé Raitt de son intention de sortir Tongue & Groove. "J'ai dit que ce n'était pas vraiment juste", se souvient Raitt. "Je pense qu'à ce stade, ils se sentaient un peu mal. Je veux dire, j'étais en tournée avec mes économies pour garder mon nom, et ma capacité à dessiner était de moins en moins. Alors ils ont accepté de me laisser entrer et de recouper la moitié, et c'est à ce moment-là qu'il est sorti sous le nom de Nine Lives. " Déception critique et commerciale, Nine Lives de 1986 serait le dernier nouvel enregistrement de Raitt pour Warner Bros.

Fin 1987, elle rejoint k.d. lang et Jennifer Warnes en tant que chœurs féminins pour Roy Orbison&# x27s special television, Roy Orbison and Friends, A Black and White Night. À ce jour, Raitt était propre et sobre, ayant rompu sa toxicomanie – pour laquelle elle créditerait Stevie Ray Vaughan lors d'un concert à la Minnesota State Fair la nuit après la mort de Vaughan en 1990. À la suite de cette émission très acclamée, elle a commencé à travailler sur du nouveau matériel. Pendant ce temps, Raitt a envisagé de signer avec le propre label de Prince, Paisley Park, mais les négociations ont finalement échoué. Au lieu de cela, elle a commencé à enregistrer un mélange blues de pop et de rock sous la direction de la production de Don Was chez Capitol Records.

Raitt avait rencontré Was grâce à Hal Wilner, qui préparait Stay Awake, un album hommage à la musique Disney pour A&M. Was et Wilner voulaient tous les deux que Raitt chante le rôle principal sur un arrangement adulte-contemporain créé par Was pour "Baby Mine", la berceuse de Dumbo. Raitt était très satisfaite des sessions et elle a demandé à Don de produire son prochain album.

Après plus de vingt ans de chant et d'enregistrement de musique populaire, Bonnie Raitt a connu un immense succès avec son 10e album. Sorti en 1989, Nick of Time s'est hissé au sommet des charts américains et a remporté trois Grammy Awards. Dans le même temps, elle a remporté un quatrième Grammy Award pour son duo "In the Mood" avec John Lee Hooker sur son album "The Healer".

Elle a poursuivi ce succès avec trois autres Grammy Awards pour son album de 1991, Luck of the Draw, puis, en 1994, elle a ajouté deux autres Grammy Awards avec son album Longing in Their Hearts. Ces deux albums ont été des succès multiplatine. La collaboration de Raitt avec Was prendrait fin à l'amiable avec la sortie live des années 1995, Road Tested. Lancé à de solides critiques, il s'est suffisamment bien vendu pour être certifié or.

Pour son prochain album studio, Raitt a engagé Mitchell Froom et Tchad Blake comme producteurs. "J'ai adoré travailler avec Don Was, mais je voulais me donner un peu plus d'énergie à moi-même et à mes fans et faire quelque chose de différent", a déclaré Raitt. Son travail avec Froom et Blake est sorti sur Fundamental en 1998.

En mars 2000, Raitt a été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame.

Silver Lining est sorti en 2002 tandis que Souls Alike est sorti en septembre 2005.


Bonnie Raitt, superstar country

(Pas le seul, je ne peux pas vous faire m'aimer, aimer furtivement sur vous, quelque chose à dire)

C'était le 11e album de Bonnie Raitt, La chance du tirage, cela a fait d'elle un nom familier. Le single "Something to Talk About" était une ballade pop sournoise et contagieuse ancrée par les styles de guitare de la marque Raitt, ornée de paroles cuivrées sur la nature capricieuse du moulin à rumeurs. "I Can't Make You Love Me" a emboîté le pas, l'établissant comme une force dans les ballades déchirantes de la musique pop. Entre ces deux singles, Raitt est passée de la reine des reprises à celle d'être reprise. "I Can't Make You Love Me" a été repris par des artistes de la chanteuse britannique Adele à la centrale R&B Tank. "Not The Only One", une ballade amoureuse qui rappelle les longs trajets sur les routes de campagne, est le mélange parfait entre la guitare pop et blues contemporaine pour adultes. C'est un reflet parfait de la façon dont Raitt a fait évoluer son son au fil des ans.

"Love Sneakin 'Up On You" met en évidence ses capacités en tant qu'auteur-compositeur, productrice, chanteuse et guitariste.Il détaille les tendres nuances du désir avec des tournures de phrases telles que « La fièvre se transforme en sueur froide/froide/Pensez aux choses que nous n’avons pas encore faites ». Les paroles sont à peu près parallèles à la carrière de Raitt - un œil d'anticipation à l'horizon tout en brûlant une flamme constante dans le présent. Grâce à ces deux efforts, Bonnie Raitt a persévéré dans le monde de la musique pendant des décennies, créant des classiques qui sonnent contemporains et redéfinissant la façon dont nous évaluons les limites des genres.

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“I Can’t Make You Love Me” : Une histoire orale du 25e anniversaire

L'année où Bonnie Raitt a eu 40 ans, elle est devenue une pop star.

À en juger par les carrières de la plupart des gens, Raitt avait déjà vécu une vie assez bien remplie. Il y avait un tas de disques dans sa discographie, elle avait été abandonnée par Warner Bros. elle était devenue sobre. Elle avait déjà une histoire. Ayant joué et sorti de la musique depuis le début des années 󈨊, elle avait progressivement accumulé des fans dévoués et des éloges de la critique, bien que peu de succès commercial au niveau grand public. C'est étrange d'y penser, pour ceux d'entre nous qui ont grandi avec Raitt comme l'un des noms légendaires, l'un des grands artistes établis de la génération des baby-boomers. Pourtant, à un moment donné, elle n'avait pas de chansons diffusées à la radio pop. Elle n'avait pas de chansons que vous entendiez dans une situation donnée pendant que vous vous promeniez dans votre routine quotidienne. Elle n'avait pas cette ubiquité qui accompagne la célébrité. Cela a changé en 1989, quand elle a sorti Juste à temps.

Juste à temps a marqué la première fois que Raitt travaillait avec le producteur Don Was et l'ingénieur Ed Cherney sur l'un de ses disques, un partenariat qui se poursuivra pendant des années. Elle et Was s'étaient connectées pour la première fois en 󈨜, lorsqu'elles travaillaient toutes les deux sur une chanson intitulée “Baby Mine” de Dumbo, pour une compilation appelée Restez éveillé : diverses interprétations de la musique des films Disney d'époque. Malgré la nature intrinsèquement étrange de cette collaboration, les deux ont vraiment cliqué. « J'avais l'impression de la connaître toute ma vie », se souvient Was. « J'ai juste ressenti un lien réel avec elle. » Avec Raitt voulant un type particulier de producteur « un producteur de musicien, le genre qui dit « C'est la prise ! » mais ne le fait pas imposer une vision stylistique particulière à un artiste alors qu'il sait déjà ce qu'il veut — est devenu un partenaire idéal dans le crime. Ils ont décidé de travailler ensemble sur son prochain album.

En les entendant en parler maintenant, le processus de fabrication Juste à temps ressemble presque à un jeune artiste décoiffé essayant de percer la porte de l'industrie. Raitt avait quelques démos, et pas de contrat d'enregistrement. Ils ont continué à travailler sur des démos dans le sous-sol de Was’, n'imaginant jamais qu'ils étaient en train de créer l'album qui apporterait à Raitt une percée commerciale tardive. Ils voulaient juste récupérer l'argent qu'ils y avaient dépensé, afin de pouvoir faire un autre disque après celui-ci. Se souvient d'un moment où l'homme de Raitt, Tim Devine, est venu lui parler après Juste à temps a été achevée. « Il est venu au studio et il a dit quelque chose comme : « Mieux vaut prendre un smoking, vous allez aux Grammys ! » Je voulais le frapper », se souvient Was en riant. “J'ai pensé, ‘OK, mec, dis juste que c'est bon. Dis juste que tu l'as creusé. Mais oubliez l'hyperbole.

En fin de compte, ce n'était pas du tout hyperbolique - le disque se vendait déjà bien au-delà de leurs attentes, puis, un peu moins d'un an après Juste à temps est sorti, il a remporté le prix de l'album de l'année aux Grammys 1990. « Quand cela se produit, ce n'est que le meilleur, » dit Cherney. “Il est sorti de nulle part. Nous savions que nous avions fait un bon disque, mais ce genre d'éloges est venu de nulle part pour nous.

Quand est venu le temps de suivre ce succès, Raitt a de nouveau travaillé avec Was et Cherney pour le disque qui deviendrait 1991’s Chance du tirage. Malgré l'influence soudaine de Raitt sur le grand public, aucun d'entre eux ne décrit le temps comme particulièrement pressurisé. Il n'y avait pas nécessairement de poids à suivre le plus gros record de la carrière de Raitt à ce jour. Ils faisaient juste un peu plus de musique ensemble et cherchaient le bon matériel. « Quand vous avez les bonnes personnes qui vibrent vraiment les unes avec les autres, vous n'avez pas besoin de dire grand-chose du tout », dit Raitt. "Il s'agit de respecter l'art de chacun. Il s'écarte du chemin et laisse un moment se produire. Il s'agit d'une bonne chanson, et c'est ce que nous avons.

Chance du tirage a fini par dépasser même les hauteurs atteintes par Juste à temps. C'est en partie grâce à son single principal, "Something To Talk About". Mais il y en avait un autre aussi, un qui n'aurait pas dû être un grand succès radio mais qui en est devenu un de toute façon. C'était “I Can’t Make You Love Me,” qui est sorti en single le 22/10/1991.

Voici la chose à propos de “I Can’t Make You Love Me” qui est différente des autres tubes de Raitt : cela va au-delà de son propre succès avec ce single et Chance du tirage. Il va au-delà de sa présence constante et soutenue sur les stations Adult Contemporary et soft-rock. Il va au-delà de sa circonstance et de son époque exactes. Il est écrit de manière à ce que vous puissiez le réduire à un instrument et à une voix, et cela fonctionne toujours, ce qui signifie que vous pouvez l'adapter à presque tous les genres, et cela fonctionnera toujours. Dans le moule des vieux standards de la pop, c'est malléable, universel et durable à cause de ça et parce que c'est une chanson qui a résonné (et continue de résonner) avec une tonne de gens, quel que soit leur groupe d'âge ou prédilections musicales. Plus que l'ubiquité, c'est le genre de choses qui se tissent dans l'atmosphère, s'attardant dans notre conscience pop collective jusqu'à ce que d'autres s'y accrochent et lui donnent leur propre tournure. Si sa durée de vie au cours du dernier quart de siècle est une indication, elle restera là, continuant d'avoir un impact sur les jeunes auditeurs et d'inspirer de nouveaux artistes bien après que l'histoire de la version de Raitt se soitompe davantage dans notre mémoire.

Alors, à l'occasion de son anniversaire, nous avons décidé de raconter cette histoire, de remonter aux origines d'une chanson populaire d'un artiste majeur, d'une chanson qui a commencé comme un tube pop surprenant et est devenue un standard. Au cours de plusieurs semaines, nous avons parlé avec Raitt, Was, Cherney, les auteurs-compositeurs Mike Reid et Allen Shamblin, Bruce Hornsby (qui a joué le rôle crucial au piano sur “I Can’t Make You Love Me”). Nous avons parlé à certaines des personnes figurant sur la (très) longue liste d'artistes célèbres qui ont repris la chanson. Voici l'histoire de la façon dont “I Can’t Make You Love Me” s'est réuni et comment c'est devenu ce qu'il est aujourd'hui.

“I Can’t Make You Love Me” est le fruit d'une collaboration entre les auteurs-compositeurs Mike Reid et Allen Shamblin. Les deux hommes vivaient à Nashville et écrivaient des chansons pour des artistes country (bien que Reid publiait également de la musique sous son propre nom à l'époque) et tous deux avaient connu le succès jusqu'à présent, marquant des succès importants dans les charts country. Après s'être rencontrés à Austin City Limits un an, une admiration mutuelle pour le travail de chacun a stimulé un partenariat entre les deux. À l'époque où ils écrivaient “I Can’t Make You Love Me,” Reid et Shamblin travaillaient ensemble depuis environ un an, écrivant presque chaque semaine. Tout le monde se souvient de la genèse de « Je ne peux pas vous faire aimer moi » un peu différemment, mais voici ce sur quoi tout le monde s'accorde : c'était enraciné dans une histoire locale de Nashville que Reid a vue dans le journal, et c'était à l'origine un , chanson très différente.

MIKE REID (auteur-compositeur) : Je ne crois pas que les esprits chuchotent des titres de chansons ou des trucs dans les oreilles des écrivains. Je n'achète pas ça. Mais je crois qu'il y a des choses dont je ne suis pas sûr que les idées vivent en nous autant que les idées sont dans le monde, le monde est plein d'idées. Nous ralentissons-nous suffisamment pour les voir et les exprimer ? Cette idée est venue d'un article de journal et je pense que c'était dans le monde et j'y ai prêté suffisamment d'attention, j'en ai parlé à un ami, Allen Shamblin, et nous sommes partis, vous voyez ?

ALLEN SHAMBLIN (auteur-compositeur) : L'histoire du journal. Mike et moi sommes tous les deux d'accord sur le journal, nous avons juste un souvenir un peu différent de ce qui a été dit dans l'histoire qui a déclenché la chanson. Pour moi, ça n'a pas d'importance, tu sais ce que je dis ? Mike et moi, on en rit. Ce n'est pas qui a écrit quoi ou pensé à quoi, c'est ce qui a été écrit, et nous sommes tous les deux cool avec tout ça. Je pense qu'il se souvient d'un gars qui a tiré sur une voiture.

REID : Je me souviens qu'il s'agissait d'un article sur le frère mouton noir d'un politicien local supérieur se faisant tanker sous le clair de lune et tirant sur une voiture, que ce soit la voiture de sa femme ou de sa petite amie. Et donc, il y avait une phrase réelle dans l'article. Il a dit au juge : « J'ai appris que si une femme ne vous aime pas, vous ne pouvez pas la forcer à vous aimer. L'idée est venue de là.

CHAMBLIN : La façon dont je me souviens de ce qui a été dit dans l'histoire, il y avait un gars vivant sous un pont, quelque part près du centre-ville de Nashville, et dans l'histoire, il a dit que sa femme est venue le chercher, sous le pont, et l'a emmené à le palais de justice pour divorcer. Et il a dit : "Nous nous sommes embrassés, et nous avons pleuré, puis nous avons vécu le divorce." Et il a dit : "Vous savez, vous ne pouvez pas forcer une femme à vous aimer."

REID : Parce que nous étions, je cite, des « auteurs-compositeurs professionnels » qui pensaient que nous savions ce que nous faisions, nous avons écrit cette chanson comme une chanson bluegrass uptempo. [des rires]

CHAMBLIN : C'était très bluegrass, uptempo, une sorte de mélodie sautillante.

REID : Ricky Skaggs avait des tubes à l'époque et je me suis dit : "Ça ressemble à une idée de Ricky Skaggs." Alors nous avons commencé et avons obtenu ces deux lignes : "Je ne peux pas vous faire m'aimer si vous ne le faites pas/ Vous ne pouvez pas faire ressentir à votre cœur quelque chose qu'il ne ressentira pas. C'est intéressant, car peu importe ce que nous avons fait, nous ne pouvions pas aller plus loin que cela. Alors on s'arrêtait et on passait à une autre chanson. Mais on y revenait toujours.

CHAMBLIN : Je me souviens que nous y avons travaillé en mars et que je suis venu un jour chez Mike. Sa salle d'écriture était dans son sous-sol et il a dit : « Viens en haut, je veux te jouer quelque chose. À l'étage, il avait ce magnifique piano à queue et il a commencé à jouer juste la mélodie de « Je ne peux pas te faire. Love Me” sur son piano. J'ai commencé à avoir des frissons rien qu'en écoutant de la musique. Il ne m'a pas dit de quoi il s'agissait ou quoi que ce soit, puis il a fait le tour et a commencé à chanter le refrain que nous avions déjà écrit sur la nouvelle mélodie. Je viens d'être tué.

Parce que nous étions, je cite, des « auteurs-compositeurs professionnels » qui pensaient que nous savions ce que nous faisions, nous avons écrit cette chanson comme une chanson bluegrass uptempo.

REID : J'avais un vieux professeur de piano qui était un vrai pointilleux sur l'improvisation. La leçon se terminait toujours par un peu d'improvisation. Alors je jouais tous les jours et j'improvisais et j'avais le magnétophone allumé et éteint tout le premier couplet est venu. Sans rapport, d'ailleurs, avec l'idée. Je ne suis pas un écrivain très rapide. Je suis très lent. Mais parfois, vous obtenez des morceaux de choses. Et tout ça est sorti, et j'étais un peu dans cette zone, hors de mon propre chemin, quand la ligne "Ne me condescendez pas" est sortie. Et j'ai immédiatement pensé, “Oh, tu ne peux pas dire ça dans une chanson. dans mon propre stupide auteur de chansons. Donc c'est autant que j'avais. Je n'avais même pas pensé à la version uptempo. Mais quelque part ce jour-là, j'ai commencé à relier cette phrase "Je ne peux pas te faire m'aimer" avec ce verset. Et à ce moment-là, j'ai pensé, “Hmm” parce que quand ce couplet est sorti, une grande partie de cette mélodie est sortie aussi. Alors j'ai appelé Allen et je lui ai dit : “Allen, qu'est-ce que tu fais ? Viens !” et il est venu et nous avons dit : “Ouais, ça a l'air de marcher. Aussi étrange que cela puisse paraître, cela semble fonctionner.”

CHAMBLIN : Après que nous ayons terminé la chanson, Mike n'a pas fait de démo pendant des semaines, voire des mois, et je savais qu'au moins je sentais que c'était la meilleure chanson à laquelle j'aie jamais participé dans ma vie, et Je pense que Mike était aussi très attaché à cela. Je n'arrêtais pas de dire : « Mike, en avez-vous déjà fait une démonstration ? » et il a dit : « Non, je ne suis pas émotionnellement à la hauteur. Je dois vraiment être émotionnellement à la hauteur. Et puis un jour, il a appelé et m'a dit : " J'ai compris. " Alors j'ai immédiatement tout laissé tomber et je suis allé chez lui et j'ai écouté ça. J'ai été assommé. C'est donc ce qu'il a envoyé à Bonnie, juste un piano et une voix.

Diffusez la démo de Mike Reid pour la chanson, rendue publique pour la première fois

Après avoir ouvert quelques spectacles pour elle à la fin des années 󈨊 et contribué une chanson à Juste à temps, Reid était devenu ami avec Raitt. Quand il a finalement eu la démo de "Je peux pas me faire aimer", il a envoyé une cassette et une note manuscrite à l'adresse de sa boîte postale.

REID : Je me souviens quand nous avons terminé la journée en disant ceci spécifiquement à Allen : “Allen, il n'y a que trois endroits auxquels je peux penser pour aller avec cette chanson. Bette Midler, Linda Ronstadt ou Bonnie Raitt.”

CHAMBLIN : Mon éditeur m'a demandé : "Pour qui l'entendez-vous tous ?" À mi-chemin de l'écriture de la chanson, [Mike et moi] avons eu une longue conversation à propos de Bonnie. J'ai dit: "Nous pensons à Bonnie Raitt ou "nous ne savons pas". Je pense que j'aurais même pu dire Rod Stewart. Je pensais vraiment à quelqu'un de pop, en dehors de Nashville. Mais vraiment, Bonnie était au centre de l'attention.

REID : Il m'a fallu un certain temps pour faire une démonstration de cette chose. J'ai juste essayé et je ne pouvais pas trouver l'émotion dans la chose. Cela m'a pris six bonnes semaines.

BONNIE RAITT (CHANTEUR) : J'ai entendu par la communauté des musiciens à quel point Mike était un grand chanteur et auteur-compositeur, alors j'ai eu son album solo et c'est là que j'ai obtenu la première chanson [Too Soon To Tell, de Juste à temps]. Et nous sommes devenus amis après Juste à temps et lui et Allen m'ont d'abord envoyé [“I Can’t Make You Love Me”] et j'ai juste été assommé par sa propre démo, parce que je suis fan de sa façon de chanter.

REID : Je travaillais dans un sous-sol sombre et j'avais une ligne téléphonique là-bas. Je suis là-bas en train de travailler, et ma femme passe la tête à l'intérieur et dit: "Hé, tu vas recevoir un appel, ne le filtre pas. Décrochez-le.” Le téléphone a sonné et c'était Bonnie. Nous avons parlé longtemps, juste de la vie. Mon souvenir est qu'elle n'a pas été immédiatement “Oui, oui, oui, je vais enregistrer ça. Elle avait une place pour une ballade sur ce disque et il y avait une autre chanson qu'elle aimait et je connais la chanson et c'est une chanson vraiment géniale. Alors elle m'a dit : « Est-ce que ça vous dérangerait de me laisser faire ça ?» Et j'ai dit : « Non, absolument pas, bien sûr. Ça veut dire que vous n'allez le montrer à personne d'autre.

CHAMBLIN : Quelques semaines plus tard, je suis entré chez [Hayes Street Music, mon éditeur] et tout le monde était excité et j'ai dit : « Que se passe-t-il ? À l'époque, nous avions une messagerie vocale. C'était un coup de téléphone de Bonnie. Elle avait appelé tard la nuit précédente et avait dit : « J'ai entendu « Je ne peux pas vous faire m'aimer ». En fait, j'ai toujours cet enregistrement de cette messagerie vocale dans mon sous-sol dans une boîte [des rires]. Oui, c'est l'une des choses les plus excitantes qui me soient arrivées.

RAITT : Je savais que c'était une chanson vraiment spéciale et la plus spéciale que j'allais pouvoir enregistrer.

DON ÉTAIT (COPRODUCTEUR) : Bonnie l'a eu et l'a joué pour moi, et tu savais, tu sais ? C'était beau. Si vous avez entendu la démo de Mike, cela jette les bases de la façon dont nous la traitons. Il avait ce genre de sonorités celtiques qu'il fait au piano et qui, à elles seules, vous feront pleurer, oubliez le contenu lyrique [des rires].

RAITT : “I Can’t Make You Love Me” était si clair pour moi, le match entre ma façon de chanter et ma façon d'aborder cette musique — Mike et Allen et moi étions complètement synchronisés sur celui-là. Donc, il aurait pu l'envoyer à n'importe quel nombre de personnes, mais je suis vraiment reconnaissant à cause de ma connexion avec lui et parce que je suis tellement fan de la façon dont il chante et de la façon dont il écrit, et d'Allen. #8217s aussi — J'étais vraiment reconnaissant qu'il me l'ait envoyé en premier.

REID : À quelle fréquence dans votre vie de compositeur avez-vous l'artiste parfait absolu qui enregistre la chanson ?

Raitt s'était de nouveau associée à Was et à l'ingénieur Ed Cherney pour Chance du tirage. Ils ont travaillé sur “I Can’t Make You Love Me” dans ce qui était alors connu sous le nom d'Ocean Way Recordings, mais est depuis revenu à son nom d'origine United Recording Studios. C'est un studio chargé d'histoire : Coltrane, Madonna, Sinatra, Michael Jackson. La liste continue. Pour Raitt, l'équipe était petite alors qu'elle travaillait sur “I Can’t Make You Love Me” ” ” ” ” ” ” ” ” ” ” ” ” — ” ” ” ” ” ” ” ” ” ” ” ” ” ” ” ” ” ” — — — — — — — — — — elle &# au piano.

ÉTAIT: C'était au Studio B, où Sinatra a enregistré “It Was A Very Good Year” et beaucoup de ses excellentes chansons. Son bureau Reprise Records était à l'étage. Il ressemble encore essentiellement à ce qu'il était dans les années soixante.

BRUCE HORNSBY (PIANISTE) : J'ai joué sur un disque de Bob Dylan dans la même pièce et un disque de Bob Seger aussi.

ÉTAIT: C'est l'une des plus belles salles de tous les temps, mais c'était un après-midi chaotique. Lenny Kravitz était dans la pièce de devant. Quelqu'un essayait de faire comme, un autre “We Are The World” dans le Studio A à l'avant.

RAITT : Je savais que je ne voulais personne d'autre dans la pièce pendant que je chantais.Je ne peux pas jouer si les gens sont là à me regarder, donc quand nous coupons des pistes, ce ne sont que les ingénieurs et moi, ce n'est pas comme une fête.

ÉTAIT: Il y avait tous ces gens, tous ces artistes qui couraient partout, se pressaient dans le couloir, et des gens se promenaient en bas qui connaissaient Bonnie.

RAITT : J'ai découvert par la suite qu'il y avait d'autres personnes qui voulaient entrer, mais [Was] les a fait taire. Je n'aurais pas pu faire une piste avec des gens qui regardent. C'est trop personnel.

ÉTAIT: Avec Bonnie, nous faisions des démos de tout ce qui la mettait en scène au piano ou à la guitare. Nous avions ce principe que si elle ne pouvait pas faire fonctionner la chanson à partir d'un seul instrument, alors avoir un groupe avec un bon arrangement n'allait pas changer les choses. Donc, nous n'avons fait que des chansons où nous avons enregistré des démos d'instruments qui nous ont terrassés. Dans le cas de “I Can’t Make You Love Me” elle ne voulait pas faire ça parce qu'il y avait quelque chose qu'elle allait puiser dans sa propre vie dont nous n'avons jamais discuté. Elle voulait juste le faire une fois et entrer dans la vérité, et elle savait que cela diminuerait à chaque prise suivante.

Mis à part la performance vocale de Raitt, l'élément le plus célèbre et le plus emblématique de la chanson est la partie de piano de Bruce Hornsby. Raitt a appelé Hornsby et lui a demandé de jouer dessus, ce qu'il a immédiatement accepté.

RAITT : Je ne pouvais pas penser à quelqu'un de plus incroyable que Bruce Hornsby pour y jouer parce que je suis autant fan de lui que de n'importe qui. Je veux dire, les gens m'ont demandé "Si vous aviez un musicien, vous pourriez emmener sur une île déserte" Ce serait absolument Bruce Hornsby. Il y a juste quelque chose à propos de — sans parler de sa grande personnalité, à quel point il est génial et à quel point ses côtelettes sont incroyables — mais la façon dont il aborde les ballades et la façon dont il exprime les accords et la façon dont il joue bouge juste moi comme personne d'autre. Il n'y avait aucune question dans mon esprit.

HORNSBY : Bonnie m'a appelé et m'a demandé de jouer dessus et la seule démo qui existait dans ma mémoire était la démo de l'auteur-compositeur, de Mike Reid. C'était donc très simple. Elle m'a appelé et m'a demandé d'en faire partie. Mike a envoyé la cassette.

Je veux dire, les gens m'ont demandé ‘Si vous aviez un musicien, vous pourriez emmener sur une île déserte…’ Ce serait absolument Bruce Hornsby.

ED CHERNEY (INGÉNIEUR) : Le truc avec la démo, je savais que nous n'allions pas la couper comme ça. Mais il y avait ce coup de piano. Je savais que nous allions nous baser sur ça.

HORNSBY : Il y a un petit salon qui était sombre tard dans la nuit avant la séance. Je me souviens d'être assis avec le piano là-dedans et il n'y avait personne dans la pièce, alors j'ai appris la chanson et j'en ai changé un peu.

CHERNEY : Je ne sais pas ce que je peux dire sur les problèmes que cela a été pour Bruce de jouer le putain de léchage. Je ne pense pas que nous puissions lui faire écouter la démo.

ÉTAIT: C'était une sorte de point de discorde pour Bruce. Il aimait la chanson, mais il ne voulait pas écouter la démo. Il voulait y trouver sa propre voie. Il ne voulait pas de ces guides des auteurs-compositeurs. Ce qui, la plupart du temps, est un plan infaillible. Mais dans ce cas, ce que Mike Reid avait fait au piano était tellement que c'était tout simplement parfait, mec. Nous l'avons revu plusieurs fois et nous nous sommes dit : "Écoutez, ne manquez pas de respect, mais vous devez vraiment écouter la démo." Et bien sûr, quand il l'a entendue, il savait exactement ce qui se passait. Bruce y a ajouté quelque chose d'incroyable. Il l'a élevé à un nouveau niveau, mais il a construit sur la base des voicings et des accords [Reid’s].

HORNSBY : J'ai changé les accords en fonction de mon esthétique ou de mon style, je suppose. J'ai ajouté mon voicing au mix. La façon dont je me déplace à travers les accords en jouant l'harmonie … Il s'agit plus de déplacer des voix sous la mélodie, des voix signifiant d'autres tons et d'autres notes dans la main gauche. La main gauche bouge en harmonie avec la mélodie de la main droite. C'est clairement entendu sur le disque tout de suite.

CHERNEY : Finalement, quand nous l'avons fait écouter, tout s'est mis en place. Après avoir écouté la démo, si je me souviens bien, elle s'est réunie en une seule prise. C'était un peu comme arracher des dents pendant un moment. Parfois, il faut être courageux en studio, et ça ne s'arrangeait tout simplement pas. Mais tout le monde l'a un peu compris au même moment.

HORNSBY : Mon souvenir est que je l'ai enregistré en live, avec la basse et la batterie, sur le clavier électrique qui démarre le disque. J'ai donc enregistré la piste de base puis j'ai fait un overdubbing du piano. C'était une séance très rapide.

CHERNEY : Ce que Bruce joue dans le vampire, c'est tout simplement intemporel. Il m'a coupé le souffle. Quand il a obtenu le rôle, c'était un soupir de soulagement et cela a juste fait fusionner le tout. C'est arrivé si vite.

RAITT : J'étais ravi qu'il y ait mis sa propre touche. Je savais qu'il le jouerait même si nous le jouions presque exactement comme la démo, mais vous n'avez pas quelqu'un comme Bruce qui vienne jouer sur quelque chose et s'attend à ce qu'il copie quelqu'un, vous savez ?

REID : Hornsby a signé cette chose comme un fou et je lui suis éternellement reconnaissant de l'avoir fait. La phrase d'introduction était la mienne, elle est certainement venue avec l'écriture de la chanson. La mélodie est la mélodie. Mais Bruce a vraiment pris l'intro et il a articulé ce que j'ai écrit. Il l'a fait à travers le filtre Hornsby, ce qui l'a vraiment poussé à un autre niveau.

CHAMBLIN : Je pensais que [la partie de Bruce] était transcendante. C'était spirituel.

Une fois que la partie de Hornsby s'est réunie, les sessions ont emboîté le pas. “I Can’t Make You Love Me” est essentiellement une chanson pour piano et voix, semblable à la démo originale de Reid. Quand les gens en parlent, en particulier les personnes qui ont participé à la création de la chanson, ils parlent avec admiration de Raitt en tant que chanteuse et de sa performance de cette chanson en particulier. Au fur et à mesure de l'histoire, elle l'a enregistré en une seule prise.

HORNSBY : Comme tant de choses qui finissent par être intemporelles ou emblématiques, cela s'est produit assez rapidement. Je n'y suis pas resté longtemps. Nous avons fait quelques prises avec le trio, Bonnie chantant et j'ai fait une ou deux prises au piano.

ÉTAIT: C'est une prise. Je pense qu'il y a eu quelques lignes où elle a commencé à pleurer, donc ce sont les seules choses sur lesquelles nous avons dû revenir et frapper. Tout le reste était en direct comme cela s'est passé.

RAITT : C'est une chanson assez dévastatrice à chanter plus d'une fois [des rires]. Je veux dire, peut-être que d'autres personnes peuvent chanter des ballades plus d'une fois. J'ai vraiment attendu de savoir que j'allais être là-bas avec Bruce, et nous lui avons donné quelques coups de couteau et il y avait des choses qui ne fonctionnaient pas non plus. Nous avons fini par faire venir Tony Braunagel, qui jouait dans mon groupe live. Il est entré et n'avait même jamais entendu la chanson auparavant, et il a joué quelques pinceaux et a gardé le rythme. Je voulais juste pouvoir chanter pour Bruce en jouant cette belle chanson. Je n'avais pas de règle concernant le fait que ce soit une prise, c'est juste que nous avons mis tellement d'efforts pour rendre ce moment très spécial qu'il n'y avait aucune raison de le refaire. De plus, j'ai pris une minute pour me remettre de la tristesse.

CHERNEY : J'ai pleuré. Je vais vous dire, j'étais dans la salle de contrôle. Don Was était dans la salle de contrôle, et je pense que son manager, Ron Stone était dans la salle de contrôle. Je pense que c'était juste nous trois. Et la première fois que nous l'avons lu et elle l'a chanté en direct comme ça … mon cœur est monté à ma gorge et mes yeux se sont remplis de larmes. C'était si convaincant, c'était si réel. Je ne voulais pas que Don et Ron me voient comme un con, pleurant comme ça.

ÉTAIT: Je n'oublierai jamais cela parce que, vous savez, la vérité est que je m'étouffe en y pensant. C'était tellement émouvant à une telle myriade de niveaux, mais cela a à voir avec quelque chose de très difficile à décrire dans le ton de sa voix. Je veux dire que la chanson pourrait devenir morose très rapidement, non ? Mais il y a une force combinée à une vulnérabilité. Il y a encore une douceur dans sa voix. C'est aussi comme ça que je pense à Bonnie.

CHERNEY : Je pouvais sentir son âme quand elle la chantait. Ce n'était qu'un de ces moments où le studio disparaît, et le monde entier disparaît, et tout ce qu'il y a, c'est l'émotion de cette chose. En ce qui me concerne, c'est ça la grande musique et le grand art. Cela vous entraîne simplement dans le moment, le sentiment et l'émotion de celui-ci. J'avais l'impression de pouvoir sentir son cœur.

ÉTAIT: Sa performance était si vive que je ne pouvais pas m'en séparer. Ce n'était pas de la performance pour moi. J'étais vraiment étouffé parce que je ne voulais pas que Bonnie souffre comme ça. C'était comme la vraie vie. C'était comme si je voyais quelque chose arriver à la personne que j'aimais. C'est vraiment bizarre, n'est-ce pas ? C'est comme ne pas pouvoir séparer un acteur d'un rôle dans lequel il joue.

CHERNEY : Ça descend et je pleurniche comme un petit bébé et je ne voulais pas que Don me voie comme ça, mais je me souviens que la prise était faite et nous étions tellement émus que nous sommes allés tous les trois dans des directions différentes pour gagner notre sang-froid, car je pense que ces deux gars ont été affectés de la même manière, mais nous ne voulions pas que l'autre voie que nous étions si doux ou peut-être un peu gênés par cela. Je sais que je l'étais. J'ai un peu dû sortir dans le couloir, je pense que je suis sorti quelques minutes pour retrouver mon calme.

RAITT : Je savais au moment où j'ai fini de le chanter que je pensais que nous l'avions. Vous le savez quand vous l'avez, surtout quand il s'agit d'une collaboration. Comme ce qui se passait avec Bruce, où c'est la performance. Il ne s'agit pas seulement de jouer la chanson - je chante aussi, nous nous jouons les uns les autres.

ÉTAIT: Ce n'était pas accidentel. Ce n'est pas comme si vous étiez tombé sur quelque chose. Elle a su habiter la chanson et se l'approprier. Ce n'était pas quelque chose laissé au hasard, mais c'était monumental. Je savais juste que j'entendais l'une des meilleures performances vocales de tous les temps. Je le savais principalement parce que je ne pouvais pas, ma réaction a été de "Montre-moi le gars qui te faisait ça et je vais le foutre en l'air". Je voulais la protéger.

REID : Quand je l'ai eu, je suis monté dans mon camion et je suis descendu [pour voir Allen] et nous l'avons mis dedans et nous avons été surpris. Nous étions ravis que ce soit Bonnie et je savais Juste à temps était son album d'évasion. Je savais ce que ça signifiait que cette femme chante quelque chose, tu sais ? Je ne sais plus si ça existe. A travers différentes générations, il y a des artistes qui vous ont validé en tant qu'écrivain. Je suis sûr que dans les années 50, si vous aviez une coupe de Frank Sinatra ou de Tony Bennett, c'était "Mon Dieu! Bonnie est une artiste de ce pouvoir. Quand Bonnie Raitt a décidé de chanter quelque chose, qu'il s'agisse ou non d'une seule sortie ou quoi, cela vous a fait vous sentir plus comme un écrivain.

Après avoir terminé l'enregistrement de base, ils ont commencé à ajouter des overdubs et des embellissements à la chanson. (L'un de ceux qui restent sur la piste était une partie d'orgue Hammond B-3 avec l'aimable autorisation de Tom Petty & The Heartbreakers’ Benmont Tench.) Alors qu'ils essayaient de finaliser la chanson, ils savaient que quelque chose n'allait pas maintenant. Finalement, ils ont réalisé qu'ils devaient supprimer la piste de la plupart des overdubs qu'ils avaient superposés.

REID : Allen et moi avons été surpris parce que le disque était si clairsemé. Dans ma partie commerciale et prostituée de moi, je pensais que ce serait "Wind Beneath My Wings" une grosse et géante production.

CHERNEY : À peu près la façon dont nous l'avions mélangé était les instruments sur le sol cet après-midi-là. On a mis des percussions dessus, on a fait des choeurs avec les gars de Was Not Was. Je me souviens quand je l'ai mixé, j'étais seul aux Conway Studios à Studio City. J'avais essayé de le mixer et j'avais essayé de garder tous les éléments que nous avions enregistrés, en pensant, 'Nous voulons toutes ces choses'. Mais ça n'a jamais été aussi émouvant que cette [première] fois. C'était une de ces tempêtes de pluie à LA. Il pleuvait à verse cette nuit-là. J'ai réussi le mix ce soir-là, je savais que je l'avais. J'avais lutté avec ça, parce que j'essayais d'utiliser tous les éléments et finalement de me débarrasser de tout et de revenir à cette chose originale. Je pense qu'il était probablement environ quatre heures du matin, il pleuvait et j'étais seul. C'était juste une de ces nuits. Je me souviens juste d'avoir été vidé. Je savais que je l'avais parce que j'étais à nouveau dans cette tristesse. [des rires]

REID : [C'était] incontestablement plus puissant. Écoutez, il n'y a aucun moyen de contourner le fait que c'est une chanson d'intimité. C'est une chanson intime, et de faire autre chose que ça … Don m'a dit — je ne sais pas s'il se souviendrait de m'avoir dit ceci — qu'ils en avaient beaucoup plus là-dessus et quand ils l'ont mixé, ils se sont dit : “Mon Dieu, qu'est-ce qui s'est passé ?” Et j'ai dit : “Eh bien, qu'as-tu fait, Don ?” Et il a dit : “Nous venons de commencer à tirer les faders vers le bas.”

CHERNEY : Nous avons commencé à mettre la production dessus. Il m'a fallu une minute pour comprendre comment me débarrasser de tout ça. Il n'avait plus cette émotion. J'ai commencé à entendre le travail que nous faisions au lieu du moment où quelqu'un porte cette âme.

REID : À ce moment-là, [Was] m'a appris une bonne chose : il a dit : « Vous savez, avec un artiste comme Bonnie, tout ce que vous faites sur le disque, tout ce que vous cela va permettre à l'auditeur d'avoir une relation plus intime avec cet artiste ou est-ce que cela va mettre quelque chose d'inutile entre l'auditeur et l'artiste ?'' C'est une observation si intelligente. Et il n'y avait rien entre l'auditeur et elle sur ce disque.

CHERNEY : Tous ces autres trucs improvisés y ont fait obstacle. J'essayais de retrouver ce sentiment, ce sentiment total d'empathie pour elle et cette profonde tristesse, ce sentiment profond de cette perte.

CHAMBLIN : J'ai été assommé. En écoutant son précédent album, je m'attendais à ce qu'il soit plus produit, vous voyez ? Je ne sais pas comment le dire. Bonnie a servi la chanson.

REID : C'est une impulsion naturelle de penser que plus c'est plus. Et il faut de vraies couilles, comme ces gens-là, pour se rendre compte que plus peut être moins.

Même avec le succès commercial surprenant de Raitt ces derniers temps et même avec d'autres singles à succès récemment à son actif, "I Can’t Make You Love Me" n'était pas exactement une chanson conçue pour conquérir les charts pop de 1991. Pourtant c'est devenu un autre succès pop important dans sa carrière, atteignant le Top 20 du Panneau d'affichage Chaud 100.

RAITT : Je ne fais pas de disques pour voir s'ils passent à la radio. Il y a un format qui me joue toujours, qu'ils ont appelé dix noms différents au fil des ans, mais c'est là où Delbert McClinton ou John Hiatt ou John Prine ou Emmylou Harris - nous nous appelons maintenant Americana, le dernier quinze ans. Artistes de la musique Roots, il y a tout un tas d'entre nous qui ont joué sur ce qu'on appellerait du rock orienté album. La radio FM dans les années 70 a commencé à jouer des groupes comme le mien et ils ne jouent pas que des singles toujours eu une carrière parallèle avant Juste à temps frappé.

ÉTAIT: Je savais que [“I Can’t Make You Love Me”] était puissant, mais je savais aussi qu'il défiait toutes les conventions de ce qu'était un disque pop en 1991. Bien que nous ayons de l'expérience avec Juste à temps, notre objectif était de gagner de l'argent et de pouvoir passer à un prochain album. Donc, en vendre sept ou huit millions, c'était tellement différent de la musique populaire de l'époque. Il ne respectait absolument pas la mode. C'était donc assez choquant, mais il n'y avait tout simplement pas d'enregistrements comme “I Can’t Make You Love Me” à la radio à l'époque.

RAITT : La victoire aux Grammy a poussé [Juste à temps] dans le palmarès pop, cela a donc fait une énorme différence, même si le disque s'était vendu à un million avant même les Grammys. Chance du tirage était le disque de suivi et nous avons eu notre premier hit avec “Something To Talk About” et ensuite le deuxième single était “I Can’t Make You Love Me.” Nous avions donc déjà un bon lit de croisement sur la radio grand public, et cela n'a pas eu d'impact sur la façon dont nous avons coupé les chansons. J'ai coupé ma musique en fonction de ce qui me semble bon et il y a toujours eu une station de radio qui la jouerait.

CHERNEY : Je ne me souviens pas que nous ayons pensé que nous essayions de faire un tube ou de faire quelque chose pour la radio. Je me souviens juste d'avoir essayé de le rendre musicalement génial et de ne pas vraiment me soucier de quoi que ce soit d'autre. Je pense que c'est pourquoi ces disques que nous avons fait ensemble ont si bien fonctionné. Nous ne flattions pas.

RAITT : C'était juste une surprise pendant quelques années là-bas, nous avons en fait joué à la radio pop. Aucun de nous n'avait la moindre idée que ce serait un si gros succès.

ÉTAIT: C'est l'une de ces performances qui est si puissante qu'elle change la définition de ce qu'est la musique populaire de l'époque. Ils l'ont passé sur les stations de radio pop.

CHAMBLIN : Je mentirais si je disais que j'ai été surpris par [“I Can’t Make You Love Me” devenant un hit] parce que j'ai vu l'impact que la chanson avait sur les gens et j'avais l'impression que Mike et moi avions reçu un cadeau, la chanson, qui a touché une place primordiale dans le cœur des gens. C'était universel. J'étais tellement bouleversé de faire partie de la chanson quand nous l'avons finie, et ensuite d'avoir Bonnie l'enregistre. S'il s'était arrêté là, j'aurais été heureux aujourd'hui, car il est né. Bonnie lui a donné naissance. Elle l'a mis au monde et lui a donné vie de la meilleure des manières. Donc, tout ce qui a suivi n'était qu'une énorme bénédiction. Je suis juste reconnaissant pour tout ça.

Dans les années qui ont suivi le succès de Chance du tirage et “I Can’t Make You Love Me,” la chanson a pris une autre stature. C'est devenu une sorte de standard, toujours couvert par des stars comme George Michael, Prince et Boyz II Men, et des artistes plus jeunes comme Adele, Katy Perry, Bon Iver, SOAK et Allen Stone. Il s'agit d'un type d'immortalité différent de celui d'une simple chanson d'un artiste désormais légendaire. C'est l'un de ces moments où un morceau fait partie du lexique populaire : mis au monde par un groupe particulier de personnes et intrinsèquement toujours défini par eux, mais aussi en quelque sorte beaucoup plus grand que ce qu'ils faisaient il y a vingt-cinq ans.

HORNSBY : Je [le joue à] mes concerts en solo et voici pourquoi.Mes concerts en solo sont des sorties musicalement et harmoniquement aventureuses et j'inflige régulièrement tellement de dissonances à mon pauvre public sans méfiance que j'essaie d'équilibrer cela avec des chansons qu'ils connaissent tellement puisque je suis lié à cela, puisque je fais partie du disque.

ALLEN STONE (PERFORMATEUR) : Il est difficile de décomposer exactement ce qui attire quelqu'un dans une chanson. Il peut y avoir une science si précise de la gravité de morceaux de musique spécifiques. Temps, lieu, progression d'accords, chanteur, tons. Tout cela peut être passé au microscope. Chaque fois que j'entends Bonnie chanter cette chanson, je me sens bien.

TREMPER (PERFORMANT): Pour moi, c'est la chanson d'amour ultime, car elle décrit tellement de choses et tout le monde peut sympathiser avec elle. Tout le sens derrière la chanson est magnifique, mais juste les mélodies qu'elle contient et la structure de la chanson - c'est le refrain le plus incroyable de tous les temps.

KATY PERRY (INTERPRÈTE) : Je fais rarement des reprises parce que j'aime partager mes histoires personnelles lorsque je chante. “I Can’t Make You Love Me” est une exception car cela touche une corde sensible en moi et en tous ceux qui l'entendent.

TREMPER: Quand nous enregistrions, pour moi, l'essentiel était de la chanter comme si c'était ma chanson. C'est la chose la plus stéréotypée, mais ressentez-la pendant que vous la jouez. Je me mets dans ces chaussures.

CALCUL: Je voulais juste chanter une chanson que j'aimais vraiment. Maintenant, si Bonnie avait été dans le public, oui, je me serais chié moi-même.

TREMPER: Toute grande chanson peut être jouée sur un seul instrument. Le transposer à la guitare était facile. Je pense que je voulais obtenir l'âme de la chanson. L'enregistrement est juste de la voix et de la guitare parce que nous ne voulions pas l'encombrer avec d'autres instruments ou une autre mélodie. Il n'en avait pas besoin. Je voulais juste être aussi honnête et ouvert que possible. Parfois, j'ai presque peur de le jouer à la fin des spectacles. Quand je la joue, je pense à la façon dont les paroles se sont produites dans ma vie, des situations comme celle-là se sont produites autour de moi. Jouer et se mettre dans cette position peut être très épuisant sur le plan émotionnel et assez effrayant aussi, pour être aussi honnête avec les gens.

CALCUL: Il y a beaucoup d'espace dans cette chanson. Beaucoup de place pour que la voix brille. Ce sont toujours des chansons amusantes à chanter. Quand vous avez de la place et de l'espace pour danser avec votre voix.

HORNSBY : Bonnie est l'une de ces chanteuses que les gens pourraient appeler une "chanteuse du répertoire téléphonique". Elle pourrait chanter le répertoire téléphonique et vous donnerait des frissons. Alors quand je la chante, la principale pensée qui me passe par la tête est "Allez, fais mieux!"

TREMPER: Quand j'étais un peu plus jeune, je suis tombé sur la reprise de Bon Iver de la chanson sur YouTube. Je me souviens de l'avoir entendu et j'ai été étonné de voir à quel point la chanson était simple et directe, mais à quel point c'était une chanson incroyable. Après avoir entendu sa version, j'ai recherché Bonnie Raitt et je suis entré dans toutes ses affaires. C'était ma première introduction à la chanson.

REID : Je veux dire, je ne sais même pas quoi dire, à part que c'est un délice au-delà du plaisir, ou au-delà du sens, qu'un enfant aborde cette chanson, que cette chanson a tendance à avoir une vie à travers les générations.

CALCUL: J'aime beaucoup la version de Bon Iver. Le sentiment qu'il invoque est très particulier. Il prend son temps. Présente la chanson à travers son propre objectif. Je creuse vraiment quand un artiste peut prendre quelque chose, y ajouter un peu d'eux-mêmes mais aussi ne pas enlever l'original.

RAITT : [Justin Vernon’s] a été une surprise totale. Quelqu'un me l'a envoyé, et il a mis un peu de “Nick Of Time” à la fin. Nous sommes devenus amis juste après. Je l'ai appelé quelques jours plus tard, c'était super. Nous venons de perdre Prince, et j'ai trouvé sa version très belle.

ÉTAIT: Prince en a coupé une version et vous l'écoutez pendant un moment et c'est un si bon chanteur et vous pouvez vous émerveiller de la technique mais ensuite il arrive au vampire et il dit quelque chose comme "Viens ici, bébé, je suis va te faire l'amour,” ou quelque chose comme ça. Il n'a aucune idée de quoi parle la chanson. Je n'ai jamais entendu un gars qui peut le chanter. Je ne sais pas si un gars peut chanter la chanson.

REID : Quelqu'un m'a dit que George Michael a chanté “I Can’t Make You Love Me” sur Débranché sur MTV. Peu de temps après, nous sommes assis ici, ma femme et moi, en train d'inverser les chaînes, à la recherche de quelque chose, et nous traversons MTV débranché et il y a George Michael ! Et j'ai pensé, “Wow, ça doit être le spectacle où il va chanter ça. de mes chansons préférées de tous les temps. Il a été enregistré par la merveilleuse Bonnie Raitt. Et il a été écrit par …, en fait, je ne sais pas qui a écrit ça.”des rires] J'ai ri et ma femme s'est fâchée, alors je n'ai pas eu à le faire. Elle a dit : « Il devrait le savoir ! Il devrait le savoir ! J'ai dit non, non, non. Pour savoir que la chanson vit dans le monde et que les gens ne savent pas qui l'a écrite, je suis d'accord avec ça. Je suis bon avec ça. Je préfère que les gens connaissent un tas de chansons que vous avez écrites et que personne ne puisse s'en souvenir. Si je disparais et que personne n'a la moindre idée de mon nom, je suis bien si je sais que quelque part, quelqu'un chante cette chanson.

RAITT : J'ai entendu la version de [Michael’s]. Je n'ai pas entendu toutes les versions que je connais, mais je suis toujours fasciné. Je dois dire qu'il y avait une version live d'Aretha Franklin. J'étais dans le public et elle s'est arrêtée et a dit : "J'aimerais chanter une chanson spéciale pour quelqu'un dans le public ce soir" et elle a commencé à chanter "Je peux pas me faire aimer". #8217s ma chanteuse préférée de tous les temps, alors, vous savez…

REID : Une chanteuse légendaire de jazz-pop, Nancy Wilson, a fait une interprétation fantastique et magnifique de cette chanson. Il y a un chanteur de R#038B nommé Tank, super version. Selon [Shamblin], il y a eu plus de 550 reprises de ce truc.

CHERNEY : Je sais que beaucoup de grands chanteurs citent cela comme référence pour une ballade. Je ne pense pas que quiconque se rapproche de ce que Bonnie a fait.

CHAMBLIN : Je ne veux pas que cela paraisse dédaigneux envers qui que ce soit d'autre, parce que je suis vraiment reconnaissant, je suis reconnaissant, mais il existe en fait des versions, comme celles de Bon Iver - quelqu'un m'a dit récemment qu'il pensait que c'était les enregistrement. Ils sont jeunes, dix-huit ans. C'est donc la version qu'ils connaissent. Et j'ai dit : "Eh bien, tu dois aller écouter la version de Bonnie Raitt". Cela a touché les gens d'une manière où ils voulaient la couvrir. Donc le fil d'Ariane revient toujours à Bonnie quand je commence à parler de reprises.

HORNSBY : Je peux voir pourquoi il est couvert. C'est une chanson vraiment géniale. Je pense que la plupart des gens qui écoutent de la musique populaire de n'importe quel style — et c'est une généralisation — mais la plupart des gens recherchent une bonne chanson bien chantée. C'est une excellente chanson chantée de manière incroyable par l'un des grands chanteurs, c'est donc ainsi que je décrirais la popularité durable de cette chanson.

REID : J'ai été dans des restaurants où les gens l'ont massacré au piano et j'ai été touché par ça. J'aime tous ceux qui essaient de le chanter. Je me fiche qu'ils le fassent bien ou pas. [des rires] Cela me dépasse, la vie de la chanson, pour qu'elle ait cette longue et lente ascension de la montagne, ce qui signifie que je pense qu'elle sera là pour des générations. Pour n'importe quel écrivain, avoir la capacité de planifier quelque chose comme ça serait de l'idiotie. Je suis long pour le trajet.

En réfléchissant à la portée et à la portée de la chanson alors qu'elle fête ses 25 ans, beaucoup de ceux qui ont participé à son écriture ou à son enregistrement sont encore à moitié muets lorsqu'il s'agit de résumer leurs expériences. Cela apparaît toujours comme quelque chose auquel aucun d'entre eux ne s'est jamais attendu, ce qui les rend d'autant plus reconnaissants et stupéfaits que cela se soit produit, et que la chanson continue de résonner avec les gens à travers les générations ou les genres.

POIRÉ: Je ne peux pas croire que nous célébrons son 25e anniversaire. C'est une composition intemporelle qui ne se démode jamais.

CALCUL: C'est incroyable. Je l'ai vue interpréter cette chanson il y a quelques mois et elle la chante encore aujourd'hui avec conviction. Bonnie chante cette chanson depuis plusieurs décennies et peut toujours la chanter avec sens et émotion. C'est monumental, quand l'écrivain et le chanteur peuvent croire et présenter une chanson des années et des années après qu'elle ait été écrite et donnée au monde.

ÉTAIT: Son interprétation de la chanson, à la manière d'une musicienne de jazz, évolue chaque nuit. Je viens de l'entendre chanter en live il y a quelques mois et c'était tout simplement incroyable. Elle n'arrête pas de trouver des nuances et de changer un peu le phrasé, et vous voyez une différence.

HORNSBY : Nous venons de jouer cela ensemble il y a quelques semaines au Berkeley Theatre et c'était magnifique. J'adore le faire avec elle et je pense qu'elle ressentait la même chose.

ÉTAIT: Il y a une force dans la façon dont elle le chante sur le disque. Comme si elle disait "Je peux gérer ça". Ce n'est pas larmoyant. Ce n'est pas triste. Ce n'est pas triste. Cela vous fait admirer le chanteur. Vous pouvez dire que ça fait mal, mais qu'elle a la force d'y faire face. C'est un mélange vraiment exotique. Je ne pense pas qu'elle l'ait jamais chanté comme ça, mais je n'oserais même pas comparer les performances parce que j'ai été tellement ému par l'interprétation la plus récente que j'ai entendue cette année, qui était totalement fraîche et tout aussi émouvante.

HORNSBY : Eh bien, j'ai fait beaucoup de disques au fil des ans et je cite aussi cela comme étant peut-être le disque sur lequel j'ai joué pour un autre artiste dont je suis le plus fier. Et Bonnie et moi sommes comme frère et sœur, mais j'ai l'impression qu'elle est ma grande sœur depuis 28 ans.

CHERNEY : C'est un peu comme si c'était arrivé à quelqu'un d'autre. C'est l'un de ces moments où tout s'assemble, c'est l'une des chansons les plus parfaites sur lesquelles j'ai jamais travaillé. Et je fais ça depuis 40 ans.

RAITT : À chaque interview, ils disent : « Que pensez-vous de l'impact que la chanson a eu ? » La voix, ou Idole américaine … Carrie Underwood a auditionné avec. Je pense que c'est soit avec quoi elle a auditionné, soit elle l'a chanté dans la série. Il y a beaucoup de jeunes qui sont au début de la vingtaine et dans la quarantaine qui m'ont trouvé à cause de cette chanson et, je veux dire, quel bel héritage d'avoir un groupe aussi incroyable de groupes d'âge différents qui viennent vous dire comment beaucoup la chanson a signifié pour vous. J'enregistre mes bagages à l'aéroport et un type me dit : « Hé ! ‘I Can’t Make You Love Me’ est la seule chanson qui me fait pleurer.”

ÉTAIT: Je ne l'ai pas écrit et je ne l'ai pas chanté. Je n'y ai même pas joué. Mais des étrangers venaient me voir dans les aéroports. Comme si un gars venait et disait “Ma femme continue de jouer la chanson encore et encore en regardant par la fenêtre et en pleurant.”des rires] Les femmes venaient et disaient « Ça va assez mal dans ma vie et je ne savais pas comment le contextualiser, mais cette chanson a du sens. » Cela a duré au moins dix ans. Genre, de parfaits inconnus. C'est votre objectif, vraiment, d'aider les gens à comprendre leur propre vie à travers la musique. Bonnie a probablement pu en faire l'expérience en sortant et en le jouant en direct devant le public tous les soirs.

RAITT : Le nombre de personnes qui m'ont écrit des lettres disant qu'elles n'avaient jamais vu leur mari en larmes jusqu'à ce qu'elles le regardent me regarder chanter cette chanson en concert, cela me rend très, très fière et très reconnaissante.

CHERNEY : À ce jour, quand je l'entends, je suis toujours ému. Ils ont eu le spectacle d'ingénierie audio à Los Angeles il y a quelques semaines et j'ai été invité. JBL montrait certains de ses haut-parleurs et ils m'ont invité à entrer et j'ai joué ça. Le souffle est sorti de tout le monde en même temps. J'étais toujours ému, et tout le monde dans la pièce était ému, et, mon garçon, cela faisait aussi sonner ces haut-parleurs. [des rires]

Le nombre de personnes qui m'ont écrit des lettres disant qu'elles n'avaient jamais vu leur mari en larmes jusqu'à ce qu'elles le regardent me regarder chanter cette chanson en concert, cela me rend très, très fière et très reconnaissante.

REID : Vous savez, c'est une énorme, énorme gratitude. Je suis désolé, j'entre dans la vieillesse, et, vous savez, je veux être aussi clair que possible à ce sujet : c'est de la gratitude, et cela inspire ce que j'espère sincèrement être une authentique humilité.

CHAMBLIN : Mike et moi en avons parlé. C'est comme la chanson du monde. C'est venu à travers nous et c'est comme avoir un bébé ou un enfant qui grandit pour faire quelque chose de vraiment génial. Tout ce que vous pouvez faire est d'être fier de votre enfant et reconnaissant.

REID : Je suis constamment, en tant qu'auteur-compositeur, à ma manière. Quand je peux sortir de mon propre chemin, ces choses qui veulent être dites, les idées qui sont dans le monde, sont là. Donc, quand j'entends que c'est un jeune enfant qui chante cette chanson, je ne me sens même pas, je veux dire, je sais que nous l'avons écrite et que c'est sorti de nous, mais vraiment, à ce stade, nous ne le faisons pas. #8217t vraiment se promener comme si nous étions les auteurs de cette chanson. Il a juste eu sa propre vie.

CHERNEY : Je suis tellement honoré et tellement fier de faire partie des disques que nous avons faits, moi, Don et Bonnie. C'était un moment vraiment spécial. Nous étions plus jeunes, et quand vous faites ça, vous pensez, oh, vous pouvez le faire n'importe quand. Mais ne pas comprendre qu'il s'agit d'un moment vraiment spécial qui ne se reproduira probablement plus jamais de votre vie.

ÉTAIT: Tu le savais, mec. Une fois que nous l'avons coupé, nous savions qu'une fois que quelque chose comme ça se présente - si cela se produit une fois par décennie, vous avez de la chance. Nous savions que cette serait difficile à suivre. Je ne pense pas que nous étions si intimidés par le suivi Juste à temps. Mais il y avait quelque chose dans cette chanson, “I Can’t Make You Love Me.” Je savais que ça allait prendre un certain temps avant que quelqu'un n'écrive quelque chose d'aussi bien.


Carrière et vie professionnelle de Raitt

En 1971, elle sort son premier album studio qui comprend des morceaux comme "Any Day Woman", "Walking Blues", "Since I Fell for You", "Women Be Wise" et ainsi de suite. Son deuxième album studio a été nommé "Give It Up" qui a été publié par Warner Bros. Records en 1972. Elle a sorti un album chaque année pendant les trois années suivantes, à savoir Takin' My Time (1973), Streetlights (1974) et Home Plate ( 1975).

En 1977, elle sort son sixième album intitulé Sweet Forgiveness où elle reprend le tube de Del Shannon « Runaway ». Son septième album intitulé "The Glow" est sorti en 1979. Il comprend des morceaux comme "Bye Bye Baby", "I Thank You", "Your Good Thing (Is About to End)", "The Boy Can't Help It" , « You're Gonna Get What's Coming » et ainsi de suite.

En 1982, elle sort son huitième album intitulé "Green Light" qui comprend des morceaux comme "Keep This Heart in Mind", "Baby Come Back", "Let's Keep It Between Us", "Green Lights" et ainsi de suite. Son neuvième album studio intitulé "Nine Lives" est sorti en 1986. Cet album n'a pas réussi à obtenir le succès escompté et a rencontré un faible volume de ventes et des commentaires négatifs.

Le 21 mars 1989, elle sort son dixième album studio intitulé "Nick of Time" qui comprend des morceaux comme "Thing Called Love", "Too Soon to Tell", "I Ain't Gonna Let You Break My Heart Again" et ainsi de suite. au. En 1991, elle sort son onzième album intitulé Luck of the Draw qui comprend des morceaux comme "I Can't Make You Love Me" et "Something to Talk About".

Ses autres albums studio incluent Longing in Their Hearts (1994), Fundamental (2998), Silver Lining (2002), Souls Alike (2005) et Slipstream (2012). Son dernier album studio sorti s'appelait "Dig in Deep", qui comprend des morceaux comme "Need You Tonight", "All Alone with Something to Say", "If You Need Somebody", "The Ones We could't Be" et bien plus encore. .


6. "Je ne vais pas te laisser partir"

Sorti l'année dernière sur son album "Slipstream", lauréat d'un Grammy, ce blues à combustion lente a été écrit par Bonnie Bramlett (de Delaney & Bonnie fame) et Al Anderson de NRBQ. Un retour à son travail antérieur, cet air présente certains des meilleurs jeux de guitare de Raitt à ce jour, sa Stratocaster glissant autour d'une figure de blues de 12 mesures avec Raitt alternant entre rythme mordant et pauses de diapositives percutantes. La voix de Raitt n'a jamais été aussi bonne, sa prestation enfumée prouvant que si certains chanteurs perdent leur capacité à prendre des notes en vieillissant, Raitt sonne encore plus fort que dans son travail précédent. Apparaît sur « Slipstream » (2012).


Le retour en arrière: le début du lac Minnetonka de Bonnie Raitt

Le logo Current au-dessus de trois chevrons noirs et le mot "Rewind" en majuscules grises. (Graphique MPR)

Bonnie Raitt est surtout connue pour ses tubes "Something to Talk About" et "I Can't Make You Love Me". Mais en 1971, elle était une enfant de 21 ans avec une séquence amicale, des côtelettes de guitare et son premier contrat d'enregistrement. Cet été-là, elle a enregistré son premier album sur le lac Minnetonka avec une équipe hétéroclite de musiciens de Minneapolis, faisant de la musique et de l'agitation dans une expérience d'enregistrement sauvage qu'elle appelle "pas Maison des animaux, mais [. ] juste une explosion."

Le rembobinage actuel est rendu possible en partie par le Fonds du patrimoine artistique et culturel du Minnesota Legacy Amendment.

Transcription de l'épisode 5 - Les débuts de Bonnie Raitt au lac Minnetonka

["Je ne suis pas bleu" de Bonnie Raitt]

Bonnie Raitt : Île enchantée—ouais, je m'en souviens comme si c'était hier. Je me souviens toujours de Willie and the Bees.

Andrea Swensson : C'est l'icône du folk et du blues Bonnie Raitt, et c'est The Current Rewind, le podcast qui met des histoires musicales méconnues sur la carte. Je suis Andrea Swensson, de retour avec la face B de notre première saison. Au cours des prochaines semaines, nous vous emmènerons dans une ville industrielle des Grands Lacs avec un côté sombre et dans les années 80 avec une histoire folle de croisés anti-rock. Mais aujourd'hui, zoom sur les premières années de Bonnie Raitt.

["I Ain't Blue" crescendos, puis s'estompe. "Winging It" de Lazerbeak commence à jouer]

Andrea Swensson : Peu d'interprètes au cours des cinquante dernières années de rock ont ​​été plus largement aimés que la chanteuse et guitariste Bonnie Raitt. Écrivant et couvrant une grande variété de styles, du folk au blues en passant par le rock, elle a, autant que quiconque, défini le son axé sur les racines de l'Americana.Elle est connue pour les tubes "I Can't Make You Love Me" et "Something to Talk About". En 1990, son album Nick of Time a balayé les Grammy Awards et fait d'elle un nom bien connu. Mais l'histoire de la carrière d'enregistrement de Bonnie Raitt a commencé en 1971. Et elle a commencé dans le Minnesota.

Andrea Swensson : Pour cet épisode de The Current Rewind, nous avons parlé avec plusieurs des musiciens qui ont joué sur l'album éponyme de Bonnie Raitt de 1971, ainsi qu'avec quelques écrivains et le bassiste de Raitt des années 70.

Une personne à qui nous n'avons pas eu l'occasion de parler, malheureusement, était Bonnie elle-même, dont l'emploi du temps ne lui laissait pas le temps. Nous nous sommes donc appuyés sur quelques vieilles interviews - une avec Ann Powers de NPR en 2012 et une avec Bill DeVille de The Current en 2013 - pour avoir sa version de l'histoire.

Bien qu'il ne s'agisse pas du plus connu de ses albums, le premier album éponyme de Bonnie Raitt était une déclaration d'intention claire d'un artiste en devenir. Elle n'avait que vingt et un ans, mais ses choix de chansons puisaient profondément dans les puits de la musique blues, folk, rock et R&B. Son chant et sa présence sur scène avaient fait tourner les têtes depuis qu'elle avait commencé à se produire. À l'été 1971, Warner Bros. Records, spécialisé dans les auteurs-compositeurs-interprètes comme elle, était prêt à la mettre dans le monde.

Et c'est ainsi que Bonnie Raitt est arrivée dans le quartier cisjordanien de Minneapolis, également connu sous le nom de Cedar-Riverside, car c'est là qu'elle pouvait trouver d'autres musiciens qui avaient l'habitude d'ignorer les règles du genre et d'aller pour le ventre, tout comme elle l'a fait. .

Bonnie Raitt est née dans le showbiz - son père était l'acteur principal de la comédie musicale à Broadway, John Raitt, star de "Oklahoma!" et d'autres tubes des années 50 de la Great White Way. Mais comme elle l'a dit à Bill DeVille de The Current, Raitt cherchait autre chose quand est venu le temps de faire son premier album.

Bonnie Raitt : C'est Austin et La Nouvelle-Orléans et Minneapolis-St. Paul, ce sont les trois villes qui ont été multiraciales dans leur scène musicale pendant tout ce temps. C'est pourquoi je voulais faire mon premier disque là-bas.

Maurice Jacob : John Koerner et Dave Ray jouaient sur le circuit folk de la côte Est, et Bonnie y jouait aussi.

Andrea Swensson : Maurice Jacox était le saxophoniste de Willie and the Bees, le groupe qui a soutenu Bonnie Raitt sur son premier album.

Maurice Jacob : Et donc elle a obtenu un contrat Warner Bros., et le contrat était de 40 000 $. Elle a demandé à des personnes en qui elle avait confiance (Koerner et Dave Ray) et leur a répondu : « J'ai ce contrat. Que pensez-vous que je devrais faire ? Je suis censé faire un album. Je veux faire un album de blues. Vous avez des suggestions. , et la façon dont je dois m'y prendre ?"

Ils ont tous les deux dit: "Nous avons des amis à Minneapolis qui pourraient être dans votre ruelle. Vous devriez venir là-bas et voir ce qui se passe là-bas." Donc Bonnie a pris l'avion ici et a traîné en Cisjordanie pendant environ une semaine et a tiré au billard, bu de la bière, bu de l'alcool, joué au flipper pendant environ quatre ou cinq jours et a beaucoup parlé.

Cyn Collins : Elle était connue pour fréquenter les gens dans les différents points chauds de Cisjordanie.

Andrea Swensson : Cyn Collins est l'auteur de "West Bank Boogie", une histoire de la scène folk et blues de Cedar-Riverside.

Cyn Collins : Elle traînait quotidiennement au Palmer's Bar en faisant des mots croisés du New York Times avec Spider John Koerner pendant que Flo s'occupait du bar.

Andrea Swensson : En fait, une photo dédicacée de Bonnie est toujours accrochée chez Palmer à ce jour.

Cyn Collins : Willie Murphy dirait qu'elle a été vue régulièrement à divers endroits en Cisjordanie, au New Riverside Cafe, au Firehouse, qui est maintenant le Mixed Blood Theatre, et elle s'est produite au New Riverside Cafe and Firehouse et dans d'autres endroits.

Willie Murphy : Elle est venue ici et est restée chez moi. En fait, nous avons dormi ensemble dans le même lit et nous sommes sortis tous les matins à la recherche d'un bon endroit pour installer le studio pour faire le disque.

Andrea Swensson : C'est le regretté Willie Murphy, qui m'a parlé en 2014. Il a produit le premier album de Bonnie et était le leader notoirement déterminé, bourru mais bien-aimé de Willie and the Bumblebees. Les fans les appelaient souvent les abeilles.

["Le miel de l'abeille" de Willie et les abeilles]

Maurice Jacob : Après ça, Bonnie a simplement dit: "C'est le groupe. Ce sont les gars avec qui je veux travailler."

Andrea Swensson : Au départ, le groupe voulait enregistrer à la campagne. Mais ils ont heurté un hic.

Bonnie Raitt : Personne ne nous louerait une ferme parce que nous étions un groupe métissé de hippies et de blues débraillés. Dave Ray et Sylvia, sa femme à l'époque, ont trouvé ce gars qui avait un camp d'été de lecture et de rattrapage, et c'était suffisamment isolé pour nous laisser prendre le relais. Il ne s'agissait donc pas d'Animal House, mais cela ressemblait beaucoup à un camp d'été. C'était juste une explosion.

Andrea Swensson : La Cisjordanie avait été considérée comme « ravagée » dans les années 40, et était devenue une zone de dérapage dans les années 50, en partie grâce au système autoroutier qui s'immisçait dans la zone, la coupant du centre-ville. Cet isolement relatif et sa proximité avec le campus de l'Université du Minnesota ont rendu la Cisjordanie parfaite pour la contre-culture en plein essor, d'abord les beatniks, puis les hippies ont commencé à s'installer dans la région. Au début des années 70, l'Electric Fetus, un magasin de disques et un magasin principal s'adressant à une foule hippie, y avait ouvert ses portes en 1972, il organiserait une soi-disant "vente nue". (Ne demandez pas.)

Araignée John Koerner : Je pense que j'ai probablement bu mon premier verre au Palmer's Bar en 1963 ou 1964, donc cela fait bien plus de cinq décennies que j'observe la Cisjordanie.

Andrea Swensson : Le chanteur de blues et de folk Spider John Koerner est depuis l'un des musiciens les plus visibles de Cisjordanie.

Araignée John Koerner : Ma première fois en Cisjordanie, c'était plutôt des gens qui travaillent. Il y avait plein de bars. Il y en avait probablement une demi-douzaine le long de l'avenue là-bas, et il y avait des barres noires autour de Seven Corners là-haut. Il y avait le Key Club et South of the Border, et vous pouviez y aller et voir certains des meilleurs artistes de blues venir à Chicago et comme ça. C'était un bon mélange. Puis vint l'ère hippie. Si vous laissiez votre portefeuille sur le bar, il y avait 50/50 chances que quelqu'un vous le rapporte plutôt que de se faire ramasser par quelqu'un.

Eugène Hoffmann : Nous n'étions pas des hippies.

Andrea Swensson : Le saxophoniste Eugene Hoffman avait quitté l'Université du Minnesota et avait commencé à jouer avec toutes sortes de musiciens en Cisjordanie au milieu des années soixante.

Eugène Hoffmann : Même si Willie dans l'une de ses dernières interviews a dit qu'il était vraiment un hippie, nous étions tous entre les beatniks et les hippies. Le quartier avait été grand ouvert parce que c'était le Haight-Ashbury du Minnesota. Quatrième et Cedar, il y avait un endroit au-dessus de Richter Drug Store. Ce pharmacien de Richter était très clément envers les hippies, et les gens venaient toujours là-bas. Ils vendaient de la drogue au coin de la rue et toutes sortes de gens. Ce que la Cisjordanie était rapidement devenue vers 66 n'était qu'un grand nombre de maisons d'étudiants universitaires.

Andrea Swensson : L'auteur de "West Bank Boogie", Cyn Collins, a rappelé à quel point le public pouvait être éclectique.

Cyn Collins : C'était un public très diversifié. Les gens diraient qu'à n'importe quelle soirée au Triangle Bar, vous auriez des Black Panthers, des militants de l'AIM, des motards et des hippies tous au même endroit. Bien sûr, des bagarres éclateraient. C'était une scène sauvage. Très, très dynamique et occupé et actif.

Andrea Swensson : Maurice Jacox est également intervenu sur la scène des bars.

Maurice Jacob : Autrefois, dans les années 60, il y avait toujours eu le Triangle Bar. Et sur Seven Corners, il y avait un bar appelé les Mixers, et tous les intellectuels et pseudo-intellectuels et les détracteurs se sont réunis aux Mixers et ont parlé et bu et parlé et bu et politisé et comploté et ont fait tout ce que les radicaux étaient censés faire en arrière ces jours-là.

Je connaissais Willie Murphy depuis le lycée et je ne l'aimais pas beaucoup. Un homme dur avec qui travailler et un homme dur à connaître, un homme très complexe. Il pouvait être incroyablement irréfléchi et trop critique envers tout et tout le monde et un maniaque du contrôle absolu et devait diriger tout ce qu'il faisait. C'était votre travail de découvrir qu'il vous aimait et que vous ne seriez pas là s'il ne vous voulait pas spécifiquement, personnellement, là.

J'ai déménagé à San Francisco en 67 et je suis revenu ici. Et pendant que j'étais parti à San Francisco, Willie Murphy a fait équipe avec Spider John Koerner et ils avaient leur record, Courir, sauter, rester immobile, pour Elektra Records. C'est un album fantastique et révolutionnaire, et j'ai toujours adoré la musique de John Koerner.

Les gens s'amusaient beaucoup. La plupart des gens étaient des esprits assez bien éduqués et apparentés, ouverts dans leurs goûts musicaux et ouverts à différentes idées et à différentes musiques. C'est pourquoi l'album de John Koerner et Willie Murphy était si génial. Courir, sauter, rester immobile avait des éléments de l'arrière-plan funk et R&B de Murphy, et le genre de country foot de John Koerner, et les mélanger est assez incroyable.

En fait, l'une des chansons de John Koerner est l'une de mes chansons préférées sur l'album de Bonnie que nous avons fait, intitulé "I Ain't Blue", et j'adorais entendre John au Triangle Bar, juste chanter et jouer la chanson de lui-même.

["Je ne suis pas bleu" de Spider John Koerner et Willie Murphy]

Andrea Swensson : Suite au succès de Courir, sauter, rester immobile, Willie Murphy s'est vu proposer un poste de producteur maison chez Elektra Records, mais il a refusé de rester à Minneapolis. Il avait commencé à diriger des jam sessions, à la fois à Cedar-Riverside et à son domicile près de la 26e rue et de l'avenue Nicollet, et en 1970, il a convoqué une réunion.

Eugène Hoffmann : Willie nous a tous regardés et a dit : "Je commence un groupe ici. Si vous voulez gagner de l'argent avec ça, autant partir tout de suite, parce que nous allons juste jouer de la musique dance et des originaux. et comme James Brown."

Maurice Jacob : Nous n'essayions pas spécifiquement d'être un groupe mixte. Il a juste contacté les gens qu'il voulait avoir dans un groupe, et le fait qu'il s'agisse d'un groupe intégré n'avait pas d'importance pour lui. Il fut un temps à Minneapolis jusqu'au milieu des années 60 où aucun groupe noir ne pouvait trouver du travail à Minneapolis, et aucun noir ne pouvait faire partie d'un groupe au centre-ville de Minneapolis. Et puis cela a commencé à changer vers '67 ou '68. Il y avait un groupe appelé les Amazers qui avait un batteur noir et un batteur blanc, et ils le considéraient comme un albinos – le batteur qui a continué à jouer avec Sly & the Family Stone et Robin Trower – Bill Lordan était son nom.

Murphy a joué dans certains de ces groupes en jouant de la basse, le seul blanc dans un groupe noir. Et c'est comme ça qu'ils sont entrés dans certains de ces clubs avec au moins un Blanc dans le groupe.

Andrea Swensson : Les musiciens le faisaient par amour, parce que l'argent n'était pas spécialement bon.

Eugène Hoffmann : Nous ne faisions presque rien. J'ai mes vieux calendriers ici et je les regarde de temps en temps, probablement pour moins de 12 $ la nuit. Willie n'a jamais pris d'honoraires de leader, jamais. Quand nous avons ouvert tous ces bars, la raison pour laquelle nous avons eu 12 $ la nuit, c'est qu'ils nous avaient plus d'un baril. Ces propriétaires de bar diraient : « Nous sommes habitués à payer un 3-pièces ».

Maurice Jacob : Au début, vous pouviez avoir un groupe de sept ou huit musiciens pour 200 $. Période. Pour tout le groupe. Et cela a duré des décennies.

Andrea Swensson : Spider John Koerner et Willie Murphy ont tous deux rappelé qu'ils jouaient dans l'Est lorsqu'ils ont rencontré Bonnie Raitt pour la première fois.

Araignée John Koerner : La raison pour laquelle elle s'est accrochée à la tenue de Dave Ray, et donc à Willie, était peut-être à ma suggestion, car je ne pense pas qu'elle connaissait la scène ici particulièrement avant de me rencontrer.

Willie Murphy : J'ai rencontré Bonnie Raitt—Koerner et moi, lorsque nous avons joué ensemble dans les années 60. Nous avons beaucoup joué à Boston, c'était en quelque sorte notre deuxième maison. Alors elle était allée à l'école, ou allait à l'école à Radcliffe, une de ces grandes écoles. Elle était donc une de nos fans, et elle-même était une aspirante joueuse et chanteuse.

Andrea Swensson : Bonnie Raitt est née à Burbank, en Californie, mais elle a déménagé vers l'est pendant que son père chantait à travers une liste de comédies musicales à succès : "Oklahoma !", "Carousel", "Annie Get Your Gun" et "Kiss Me Kate". La famille Raitt pratiquait les quakers, et comme Eugene Hoffman l'a vu de ses propres yeux, l'activisme social est resté un élément fondamental de la vie de Bonnie.

Eugène Hoffmann : J'ai vite vu que peu importe où elle allait, elle savait toujours et fait encore politiquement ce qui se passe dans cette ville ou ce quartier. Elle lisait le New York Times avant même de prendre son petit-déjeuner. Je suis sûr qu'elle fait toujours ça.

Andrea Swensson : Bonnie a eu sa première guitare à l'âge de huit ans, comme cadeau de Noël. Elle jouait de la guitare slide de son grand-père à l'âge de dix ans et possédait une guitare acoustique Guild à cordes en boyau rouge. Pendant que ses parents étaient en tournée, la femme de chambre de la famille amenait sa famille et leurs disques, tournant Bonnie et ses frères sur la musique de Jimmy Reed et Ike & Tina Turner. À quatorze ans, elle est devenue une passionnée de blues et, à l'adolescence, elle s'est intéressée à la musique folklorique. Lors de l'Americana Music Conference 2012, Bonnie a déclaré à l'écrivain Ann Powers que ses goûts éclectiques étaient profondément enracinés.

Bonnie Raitt : C'est une seconde nature pour moi. Une partie de cela est élevée dans une famille musicale qui avait un large éventail de goûts. Nous avons été exposés à Mahalia Jackson et Louis Armstrong et à Art Tatum, ainsi qu'à l'univers entier de Broadway de mon père.

Il y avait un bouleversement culturel entre la musique beat et les beatniks et la contre-culture qui se produisait. Je suis un enfant de mon temps, donc je ne pense pas qu'il soit particulièrement surprenant que j'aie aimé "Since I Fell For You" de Lenny Welch à côté de "Bluebird" de Buffalo Springfield à côté de Sippie Wallace. J'aimais la musique folklorique. Je suis sorti du camp d'été avec les moniteurs qui nous guidaient et imitaient Joan Baez. Bien sûr, je voulais être comme les deux. Je suis tombé amoureux du R&B et du rock and roll en même temps que j'étais petit. Je pouvais faire la différence entre la version de Little Richard et celle de Pat Boone.

Andrea Swensson : Nous aurons plus de Bonnie Raitt sur la réalisation de son premier album après cette pause.

[La musique s'estompe, puis s'éteint]

Andrea Swensson : Jusqu'à présent, nous avons parlé de la scène musicale de Cisjordanie qui a été cultivée à la fin des années 60, qui fournirait une inspiration et une colonne vertébrale musicale pour le premier album de Bonnie Raitt.

Alors que Willie Murphy trouvait sa voix à Minneapolis, Bonnie Raitt était inscrite au Radcliffe College dans le Massachusetts, se spécialisant en études africaines. Mais bientôt elle passe du temps à Philadelphie avec Dick Waterman, le manager d'un certain nombre de bluesmen dont la carrière a été relancée dans les années 60, comme Son House, Mississippi Fred McDowell, et le duo de Buddy Guy et Junior Wells.

Bientôt, Waterman, qui avait 33 ans, sortait avec Raitt, dix-huit ans, et elle obtenait des conseils de jeu de sa liste. Elle a commencé à jouer en première partie. Et tandis qu'elle apprenait des maîtres, comme le note le critique Jewly Hight, elle prouvait également qu'elle appartenait à leur monde.

Hauteur Juive : Il y a plusieurs années, j'ai interviewé le chanteur/compositeur et guitariste Chris Smither, qui l'a connue dans ces premières années. Il a dit qu'il avait été bluffé un jour. Il n'avait aucune idée qu'elle était guitariste, et encore moins une guitariste sérieuse, puis l'a entendue jouer le goulot d'étranglement et a été vraiment impressionné et l'a immédiatement prise au sérieux.

Andrea Swensson : En 1970, Bonnie a pris un semestre de congé pour accompagner Waterman dans une tournée européenne des Rolling Stones, que Buddy Guy et Junior Wells ouvraient. Cela signifiait qu'elle avait raté la date limite pour s'inscrire pour son prochain semestre, et les parents de Bonnie l'ont interrompue financièrement. Elle dira plus tard que si elle s'était inscrite à l'école à temps, toute sa carrière musicale n'aurait peut-être pas eu lieu.

Tout de suite, le répertoire de Bonnie s'est réuni : sa première nuit sur scène, au Philadelphia's Second Fret, elle a joué presque tout ce qui allait faire son premier album. Deux des chansons étaient de la blueswoman sournoise et sexy Sippie Wallace.

["Je suis une femme puissante et étroite" de Sippie Wallace]

["Mighty Tight Woman" de Bonnie Raitt]

Hauteur Juive : Elle a fait quelques chansons de Sippie Wallace sur ce premier album, et finirait par se lier d'amitié avec Sippie Wallace et l'amener en tournée et attirer plus d'attention sur son travail. Elle était vraiment ravie de trouver une diva du blues qui avait ce répertoire de chansons très libérées sexuellement et très avant-gardistes, et aussi très ironiques et ironiques. Cela a vraiment fait appel à sa sensibilité féministe et aux chansons qu'elle voulait faire.

Andrea Swensson : Raitt était définitivement en contrôle, même si sa présence sur scène était sans vergogne torride. La première fois que l'auteur-compositeur-interprète Jackson Browne a vu Bonnie, il l'a comparée à une "adolescente Mae West".

Bientôt, elle se débrouillait assez bien pour engager un bassiste qui se faisait appeler Freebo. Il avait auparavant joué avec les rockers de Philadelphie, l'Edison Electric Band, également dirigé par Dick Waterman.

Freebo : Je me souviens avoir vu son solo acoustique, et bien sûr, elle était merveilleuse. Elle se levait & #8212super mignonne, et elle avait cette voix incroyable & #8212belle voix. C'était environ un an plus tard quand elle m'a appelé. Nous avons probablement fait un mois ou deux de concerts en mai et juin avant de venir à Minneapolis et de faire ce disque.

Eugène Hoffmann : Je suis devenu ami avec Freebo tout au long de ces dix premières années. Il venait en ville avec Bonnie, et il avait toujours à sa ceinture une poche de l'herbe la plus forte, et lui et moi faisions toujours ça avec quelques autres personnes.

Andrea Swensson : Bientôt, Raitt attira l'attention des critiques. En février 1971, elle a été envoyée par avion à Los Angeles pour jouer au Troubadour, un lieu de rencontre de l'industrie où Linda Ronstadt, les Eagles et Joni Mitchell étaient des habitués. Par la suite, elle a présenté des offres de cinq maisons de disques différentes. Bonnie est allée avec Warner Bros. Comme elle l'a dit à Dave Ray, le contrat signifiait que, je cite, "elle pouvait enregistrer un album de ouaouarons coassant et ils auraient dû le prendre. Ils lui ont donné un contrôle artistique complet."

Bonnie Raitt : Quand ils m'ont proposé un contrat d'enregistrement, j'ai dit : "Tant que je n'ai pas à faire de hits, à changer mon apparence ou à enregistrer ce que vous voulez que j'enregistre, vous ne pouvez pas me dire quand, avec qui, ou quoi enregistrer. Et ça m'est égal d'être une star si ça te va."

Ann Pouvoirs : Et ils ont dit ?

Bonnie Raitt : Et Warner Bros. a dit : « Vous savez quoi ? Nous gagnons notre vie avec Deep Purple et Black Sabbath.Ils paient pour Randy Newman, Ry Cooder, toi et Little Feat. » Vous voyez ce que je veux dire ? [le public rit, applaudit]

Ann Pouvoirs :C'était l'époque.

Bonnie Raitt : Et c'est pourquoi j'ai dit : "Si vous voulez vraiment me donner les clés de la voiture, je me fiche d'une avance. Je gagnerai beaucoup d'argent." Pour le premier disque, ils m'ont donné quarante mille dollars. J'ai acheté une Volvo—whoo ! Et le reste est allé, vous savez, au label de Snaker Dave Ray et s'est répandu parmi les musiciens de Minneapolis, où je l'ai fait.

Andrea Swensson : Dave et Sylvia Ray avaient acheté leur équipement quelques mois seulement avant l'arrivée de Bonnie Raitt en ville. Plutôt que le genre de matériel d'enregistrement haut de gamme à seize pistes qui était la norme en 1971, les Rays ont acheté un simple enregistreur à quatre pistes.

Maurice Jacob : La tante de Jane Truax & Sylvia a prêté à Dave l'argent pour acheter la machine d'enregistrement Crown que nous avons utilisée. Avec l'argent que nous avons fait de l'album, il a payé Jane et a lancé sa propre maison de disques, qu'il a appelée Sweet Jane Records, du nom d'elle.

Andrea Swensson : L'endroit où le groupe a enregistré est une histoire en soi. L'album attribue au lieu d'enregistrement le nom de "Sweet Jane Ltd. Studios", mais le site réel était un garage sur Enchanted Island, une petite parcelle de terrain du lac Minnetonka à vingt-cinq miles à l'ouest de Minneapolis dans la ville de Minnetrista. L'île tire son nom de son histoire en tant que terre sainte du Dakota. De nos jours, il abrite des résidences privées et un yacht club.

Freebo : C'était rustique, funky, beaucoup de bois. Ce qui est devenu le studio était comme un dortoir. Il n'y avait pas de couchettes. C'était comme une pièce vide, et nous l'avons juste créé avec des baffles et des microphones et y avions le piano, un piano droit, des amplificateurs et une batterie, et nous en avons créé un studio.

Eugène Hoffmann : Tout le monde a amené tous ses amis. C'était une grande mêlée tous les soirs. Bonnie s'est assise dans sa chambre, qui est sur la pochette de l'album. Nous avons continué à sortir tous les soirs. C'était un long trajet pour amener de plus en plus d'amis.

Maurice Jacob : Les gens ont amené ceux qu'ils voyaient à ce moment-là. Ils les ont amenés là-bas. J'ai fait sortir quelqu'un une ou deux fois, c'est vrai. Il y avait ces cabanes. Vous pourriez trouver votre propre cabane pour la nuit et beaucoup de bons plats cuisinés dans la cuisine commune du lodge. Vingt livres de poulet frit & beaucoup de nourriture. Ils avaient de grandes et longues tables. C'était un super endroit pour venir s'accrocher.

Bonnie a amené son frère, Steve, et la femme de Steve, Joyce, et Joyce a fait toute la cuisine. Nous vivions dans les cabanes du camp, nous faisions du ski nautique, jouions au volley-ball et mangions de la bonne nourriture.

Willie Murphy : Je pense que nous étions là-bas probablement au moins un mois. C'était comme si les gens se levaient le matin et pêchaient sur le quai. Après quelques semaines de chahut plus ou moins, mais en fait, j'étais en train de rassembler la musique. Bonnie a dit : "Tu ne penses pas qu'on devrait commencer à enregistrer ?" Et nous l'avons fait. Et c'était tout. Je pense que c'est un très bon album.

Maurice Jacob : Nous avons fait la plupart de l'enregistrement entre les heures de minuit ou 1h00 du matin et 6h00 du matin parce que le lac était alors vraiment calme. Et aussi en train de boire et de jouer toute la nuit, les gens dormaient en quelque sorte jusqu'à l'été l'après-midi avant de commencer à bouger pour la journée.

Nous avons enregistré dans le garage et à l'extérieur du garage, et les machines d'enregistrement Crown que Dave Ray a achetées étaient à l'étage. Si un microphone devait être ajusté, Dave devait descendre les escaliers et entrer dans le garage et ajuster le microphone et remonter à l'étage et l'écouter, parfois il montait et descendait 30 fois dans une session. Il y a eu pas mal de fois, "'Finest Lovin' Man', prenez quinze."

Eugène Hoffmann : Dave Ray est allé dans le garage et a ensuite monté un quatre pistes Crown sur un loft dans le garage, puis les cuivres jouaient dans le parking, et comme c'était un quatre pistes, c'était en direct. Il n'y a pas eu de doublage. Un avion passerait et nous devions arrêter de jouer.

Andrea Swensson : Bonnie, Willie et les abeilles ont laissé une forte impression sur les résidents de la région.

Bonnie Raitt : J'ai beaucoup de gens qui vivent sur le lac qui viennent dans les coulisses et me saluent à différents endroits. L'autre soir, nous venons de jouer ici dans le comté de San Diego, et quelqu'un est venu et a dit : "J'habitais dans la rue où tu as fait ton premier album." C'est donc une partie indélébile de mon histoire.

Andrea Swensson : Nous avons parlé à la Westonka Historical Society & nos amis de l'épisode Andrews Sisters que nous avons partagé plus tôt cette saison & ils nous ont donné une copie dactylographiée de cette histoire, du résident de Minnetrista John Maxwell, que nous avons légèrement modifiée. Voici ce dont il se souvenait de vivre à côté de Bonnie and the Bees, tel que lu par notre collègue Jay Gabler :

Jay Gabler : "C'était l'été 1971 et Bonnie Raitt et de nombreux musiciens étaient terrés dans un petit garage blanc de deux étages à côté de chez nous, au 4000 Enchanted Lane. C'était un camp de « lecture » d'été abandonné, si je me souviens bien. Mon père utilisait tondre notre gazon chaque semaine sur une tondeuse autoportée John Deere assez bruyante qui s'approcherait très près de ce garage blanc.

Puis, un après-midi d'août, une fille aux cheveux roux s'est approchée de mon père et lui a fait signe de discuter. Elle a expliqué qu'elle et son groupe essayaient d'enregistrer de la musique sur une bande audio et que ses sons de tonte n'arrêtaient pas de monter sur la bande audio ! Ils ont eu une conversation diplomatique amicale et il a accepté de tondre certains jours ou certaines heures de la semaine (je ne me souviens pas des détails exacts) si elle rendait la pareille en ne produisant pas de musique très forte au milieu de la nuit parce que cela affectait notre famille et notre sommeil. Il devait se lever pour le travail à 3h30 du matin tous les matins et ils seraient là-bas à côté à brouiller jusqu'à l'aube. Personnellement, je me souviens encore des cris d'un harmonica perçant les murs de ma chambre la nuit."

Andrea Swensson : L'une des chansons sur lesquelles le groupe jammait était "Big Road", enregistré à l'origine en 1928 par le bluesman de Delta Tommy Johnson, qui a plus tard inspiré le personnage du même nom dans le film des frères Coen O Brother, Where Art Thou? Pour l'enregistrement de "Big Road" de Johnson, Freebo a joué de son instrument original, le tuba.

["Grande route" de Bonnie Raitt]

Freebo : C'était sa suggestion de jouer du tuba là-dessus, et donc d'une manière ou d'une autre, je ne me souviens pas qui avait le tuba, mais je l'ai emprunté à quelqu'un et j'ai fini par jouer du tuba sur chacun de ses six premiers disques.

Andrea Swensson : Les arrangements des autres chansons étaient tout aussi expérimentaux.

Maurice Jacob : Sur cette chanson, "I Ain't Blue", la chanson de John Koerner, nous essayions de trouver quelque chose pour les percussions. Nous ne voulions pas utiliser de tambours. Congas ne sonnait pas bien. Les bongos ne sonnaient pas bien. Clave n'avait pas l'air bien. Nous voulions juste cette petite chose décontractée à la guitare et au chant de Bonnie.

Nous avons essayé de faire "I Ain't Blue" et de trouver un son qui serait une percussion appropriée, et nous avons fini par prendre – depuis que nous jouions au badminton – prendre le volant du badminton, et un 16 oz. tasse de bière, et les gens sont allés [applaudissements doux] comme ça doucement, puis [imitant un doux bruit de chut] faire tourner le volant autour de la tasse et le tenir jusqu'au micro, et c'est la percussion là-dessus.

["Je ne suis pas bleu" de Bonnie Raitt]

Andrea Swensson : Bientôt, Bonnie et les abeilles ont été rejoints par des invités de l'extérieur de la ville. Eugene Hoffman se souvient avoir joué avec quelques bluesmen classiques de Chicago.

Eugène Hoffmann : Junior Wells est venu avec son chauffeur, Bob, qui était le gros costaud au dos de l'album, bien sur la bonne photo - la grosse Cadillac - il était assis là-bas sur ce quai pendant que nous faisions le disque, pêchant pour petits crappies et sunnies pendant un mois entier.

Je me suis assis sur le porche avec le frère d'A.C. Reed et de Jimmy Reed. Il n'était vraiment pas très connu, mais il était un incontournable du saxophoniste de Chicago. Il a sorti quelques-uns de ses propres disques plus tard, des disques de blues. Tout le monde a été époustouflé parce que nous étions assis sur le perron quand "What's Going On" de Marvin Gaye est sorti. C'était une sorte de moment marquant.

Andrea Swensson :Le trompettiste Voyle Harris est allé un. étape supplémentaire pour son solo sur "Women Be Wise".

Eugène Hoffmann : Si vous regardez au dos du disque, ce que j'ai fait aujourd'hui pour une raison inconnue, il a joué cet air nu devant elle. Je ne sais pas pourquoi il a fait ça, mais c'est même écrit ici.

Andrea Swensson : L'album a mis quatre semaines à être enregistré.

Maurice Jacob : Nous restions là pendant la semaine, et nous venions faire notre concert. Nous jouions au Joint Bar, qui était avant le Cabooze, les vendredis et samedis. Nous avions l'habitude de jouer au Triangle où la section des cuivres descendait le bar en jouant et en faisant des coups de pied. Nous étions célèbres pour cela. Lorsque nous avons joué pour la première fois là-bas, la moitié du groupe se tenait sur une couverture au-dessus de la table de billard. L'autre moitié du groupe se tenait sur le sol, puis ils ont fini par construire une scène à laquelle il fallait monter une échelle pour y accéder, avec une balustrade autour.

Et donc nous avons essayé de boire le gars avec nos boissons gratuites. Et donc pendant ces trois semaines, nous venions faire le concert vendredi et samedi, et pendant ce temps, Bonnie était l'une de nos guitaristes. Et puis quand nous avons amené A.C. Reed et Junior Wells pour jouer sur l'album, ils sont venus en ville avec nous le week-end et ont joué.

Bonnie aimait aussi jouer de nos trucs & #8212un sacré bon guitariste. Elle connaissait sa musique et elle connaissait aussi beaucoup de morceaux R&B. Donc, elle n'était pas seulement en train de flâner ou de flâner. Elle faisait partie intégrante du groupe.

Andrea Swensson : Cependant, tout le monde n'aimait pas le style de fête intense de Willie and the Bees. Dick Waterman, le manager de Bonnie, était l'un d'entre eux.

Maurice Jacob : Il voulait éloigner Bonnie de nous aussi vite qu'il le pouvait. Jésus-Christ, il pouvait voir les choses partir en fumée. Il pouvait voir quelle mauvaise influence nous avions sur elle. Bonnie buvait avec nous. Bonnie pourrait jeter de l'alcool. Bonnie a finalement dû suivre un traitement, comme presque toutes les abeilles. Bonnie s'est beaucoup amusée avec nous, et cela ne convenait pas très bien à Dick Waterman.

La plupart des membres du groupe ont sérieusement abusé de l'alcool. On disait que nous étions le groupe le plus bourré d'Amérique, et tout le monde le savait. Les gens venaient aux concerts des Bees pour voir si nous pouvions passer la nuit debout. Il y avait un magazine de musique à l'époque, vers 1971, appelé Connie's Insider, et ils avaient des caricatures sur la couverture du magazine, et une caricature des abeilles nous fait monter sur scène - probablement quelque part comme le Cabooze Bar ou le Joint Bar - 8212us debout sur scène dans des bouteilles et des verres et des canettes de bière tous à nos pieds. C'était à peu près exact.

Andrea Swensson : La quatrième de couverture de l'album présente une photo de groupe de la troupe complète de musiciens, amis et copains - dix-huit personnes au total, assises et debout sur deux rangées libres devant les voitures chics des bluesmen de Chicago, garées pare-chocs contre pare-chocs.

Maurice Jacob : A.C. Reed et Junior Wells sont tous deux originaires de Chicago. Il conduisait une Cadillac, et A.C. Reed conduisait lui-même, et Junior avait un chauffeur, Bob, et donc l'idée de qui que ce soit était de mettre les Cadillac comme ça dans un V, et que tout le monde se place dans le V des Cadillac. Il a posé le coup. Nous avons passé la moitié de l'après-midi là-bas pour prendre la photo exactement comme ils le voulaient.

Freebo : Avec un groupe de musiciens, c'est comme un troupeau de chats, donc tout le monde parle et certaines personnes regardent la caméra, d'autres non. Vous pouvez voir la spontanéité de cette photo, et un peu de dupes en enlevant le pneu, le tuba et toutes ces différentes choses. Je regarde cette photo et cela me ramène à ce jour-là.

À ce moment-là, nous avions plus ou moins fini le disque, et tout le monde était vraiment content. C'était une famille – vous pouvez l'entendre sur le disque, et tout revient à Bonnie en termes de : "Je veux faire une fête. Je veux créer ça. J'ai 40 000 $ de Warner Bros. Je peux faire n'importe quel disque que je veux où je veux comme je veux, et c'est ce que je veux faire."

Andrea Swensson : Ce n'était pas nécessairement ce que Warner Bros. voulait qu'elle fasse, cependant.

Freebo : Je ne pense pas qu'ils l'aimaient. Je pense qu'ils n'ont pas du tout aimé ça. Je pense qu'ils étaient vraiment déçus. Ils ont été déçus par la qualité du son, les mixages, le tout. C'est littéralement un groupe de garage, et ça sonne très bizarrement. D'autres personnes l'écoutaient et se disaient : "Oh mon Dieu, c'est si mal enregistré. Pourquoi ne l'ont-ils pas fait comme ça ?"

Lorsque vous enregistrez sur quatre pistes, il y a toutes ces petites pistes et tout a été enregistré en même temps, et à moins que vous ne sauvegardiez une piste, il n'y a rien sur quoi rebondir. Vous ne pouvez donc pas enregistrer sur quelque chose qui est déjà enregistré ou vous l'effacerez. Donc, quand vous enregistrez, surtout si c'est tout le groupe, vous avez la batterie, la basse, la guitare acoustique, la guitare électrique, les cuivres, le piano, le chant principal, le chœur.

Tout le monde doit être organisé à la fois, et c'est vraiment la première fois que Dave fait ça, donc vraiment, quand vous écoutez le disque, c'est magnifique dans son imperfection, et il capture essentiellement ce que Bonnie voulait faire.

Andrea Swensson : Ce qui a frappé les auditeurs de l'album, tout comme Raitt lorsqu'elle a commencé à jouer dans des clubs, c'est à quel point elle était une artiste surnaturellement mature. En examinant l'album, le magazine spécialisé dans le commerce de la musique Cash Box a souligné « sa méchante guitare slide » et a conclu : « Ce n'est pas un début simple et catégorique. C'est un reflet le plus agréable et éclectique d'elle-même. The Village Voice lui a recommandé "des interprétations faciles et pour adultes d'un répertoire éclectique basé sur le country blues, soutenues par un joli back-up".

En décembre, Raitt retourna à Minneapolis, en première partie de Randy Newman au Guthrie Theatre. Dans une critique de l'émission, The Minneapolis Star a mentionné "les huit accompagnatrices de Miss Raitt qui sont entrées et sorties à sa suggestion". Il s'agissait bien sûr des Bumblebees, accompagnés d'A.C. Reed au saxophone.

Maurice Jacob : Nous sommes allés à St. Cloud et avons joué un spectacle en plein air sur le terrain de sport à 90 degrés en juillet ou quelque chose du genre. C'était Bonnie, les abeilles, Charlie Musselwhite, Big Mama Thornton et quelques autres personnes dans cette émission.

Andrea Swensson : Les abeilles s'assoient à nouveau avec Bonnie lorsqu'elle joue au Marigold Ballroom, une ancienne salle de bal de big band sur Nicollet Avenue dans le centre-ville de Minneapolis, en octobre 1973. C'était un "public exigu et en sueur de 1 700 personnes", a rapporté le Star. Et Bonnie aimait encore plus le Cabooze, qu'elle a joué en août 1974. Les abeilles ont également ouvert pour elle à ce spectacle.

Finalement, Bonnie Raitt est devenue une icône américaine, grâce au succès primé aux Grammy de son album de 1989, Nick of Time. Son frère Steve, qui l'avait accompagnée dans les Twin Cities pour faire son premier album, a tellement aimé l'endroit qu'il est resté, a fondé une société de systèmes de son de pointe, Pro Line, et a travaillé comme ingénieur du son. pour le Lamont Cranston Band et d'autres.

Maurice Jacob : Lui et Dave Ray se sont liés assez sérieusement, et quand Dave Ray a acheté un terrain à Cushing, MN, Steve et Dave étaient partenaires à ce moment-là, et ils ont construit un studio d'enregistrement à Cushing, MN l'a littéralement construit, comme, verser dalle en novembre.

Les gens ne savaient pas que Bonnie et Steve étaient tous deux des skieurs nautiques de championnat, et Steve était un tel moteur qu'une jeep qu'il avait construite faisait la couverture du magazine Hot Rod. Il était constructeur de moteurs. Il avait un bateau de ski qui avait une puissance de 350 chevaux - un bateau de ski en contreplaqué - incroyable, 70 mph.

Andrea Swensson : Bonnie a également gardé des liens locaux, par l'intermédiaire de son frère et de ses anciens collègues.

Maurice Jacob : Elle a acheté une propriété ici. Bonnie a acheté un terrain sur le lac Bald Eagle à White Bear Lake. Elle y a acheté un terrain et une maison qui se trouvait sur la propriété. Elle l'a eu pendant peut-être vingt ans. La première chose qu'ils ont faite quand ils ont obtenu la maison a été que Steven a mis un parcours de slalom sur le lac, a sorti son bateau de ski, puis nous avons eu une péniche à deux étages appelée Ship of Fools - nous avions des barbecues et des choses dans le bateau. Nous avons remorqué le bateau et l'avons ancré au milieu du lac et avons remorqué son bateau de ski jusqu'à la Nef des fous et nous avons fait des pistes de ski nautique sur le parcours de slalom.

Andrea Swensson : Après une longue bataille contre le cancer du cerveau, Steve Raitt est décédé en 2009. Minneapolis a également perdu Willie Murphy en janvier 2019. Lorsque Bonnie a appris le décès de Willie, elle a écrit un message pour la foule lors de son concert commémoratif. Notre productrice Cecilia Johnson était à ce spectacle au Cabooze en février 2019, et elle a regardé l'animateur Bobby Vandell lire ce message pour la foule.

Bobby Vandell : Je vous ai promis que je vous lirais ce que Bonnie Raitt a écrit. Alors je vais vous le lire, c'est de Bonnie Raitt :

"Bonjour de Tulsa, ici en tournée. Je suis désolé de ne pas avoir pu être là avec vous pour célébrer Willie en personne, mais je suis là avec vous en esprit. Quelle programmation incroyable, et à quel point vous êtes parfait sont juste là au Cabooze. Je n'arrive toujours pas à croire qu'il soit parti. Willie a vraiment changé ma vie à bien des égards. En produisant mon premier album en 1971, il m'a appris à faire des disques, à travailler avec un groupe, et surtout plus important, comment rester absolument fidèle à ce que je savais qui sonnait juste pour moi seul. C'est ainsi qu'il a vécu et joué sa musique toute sa vie.

J'ai également partagé avec lui, avec John, Dave et Tony, une aversion à plier une partie de moi-même pour s'adapter aux normes de ce que l'industrie de la musique pourrait penser vendre. C'est cette même séquence féroce de franc-tireur qui l'a gardé criminellement sous-estimé en dehors des villes jumelles. Mais son influence et son appréciation par ceux qui savent vraiment, seront son héritage durable. C'était un génie musical, un pionnier virtuose en tant qu'auteur-compositeur, multi-instrumentiste, arrangeur de cuivres et producteur, et vraiment l'un des chanteurs les plus durs à cuire que nous aurons jamais la chance d'entendre.

Certains de mes souvenirs préférés seront toujours les concerts de Willie and the Bees au Cabooze and the Joint, avec mon frère Steve à la table d'harmonie et avec certains des meilleurs musiciens. Vous êtes nombreux ce soir. Toujours l'une des scènes musicales les plus belles et les plus funky d'Amérique. Je suis tellement reconnaissant d'avoir connu Willie. Puissions-nous continuer à le célébrer dans la musique que nous jouons, la merde que nous ne prenons pas et les promesses de garder la musique aussi funky que réelle. Tu vas nous manquer, Will. Organisez une grande fête aujourd'hui en son honneur et jouez-en une pour moi. Je vous envoie mon amour à tous."

[« Winging It » par Lazerbeak]

Andrea Swensson : The Current Rewind est produit par Cecilia Johnson. Michaelangelo Matos est notre écrivain, Marisa Gonzalez Morseth est notre assistante de recherche et Brett Baldwin est notre producteur délégué. Notre thème musical est "Winging It" de Lazerbeak de l'album Luther. Johnny Vince Evans a maîtrisé cet épisode.

Merci à nos invités : Eugene Hoffman, Maurice Jacox, Cyn Collins, Spider John Koerner, Jewly Hight et Freebo. Merci à Folk Alley et Bonnie Raitt pour nous avoir donné la permission d'utiliser l'audio des interviews archivées, et merci à Willie Murphy pour toute la musique. Le musicien de blues Paul Metsa et l'équipe de la Westonka Historical Society ont également fourni des informations précieuses pour cet épisode.

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Décès du musicien Steve Raitt, frère de la chanteuse Bonnie Raitt

Il fut un temps où si vous étiez un chanteur de Twin Cities en train de monter un nouveau groupe, la première personne que vous appeliez était l'ingénieur du son Steve Raitt.

"C'était le preneur de son d'un chanteur", a déclaré Patty Peterson, une éminente chanteuse de Twin Cities depuis les années 1970. "Il pouvait vraiment faire sonner la voix comme du velours."

C'est peut-être parce que Raitt, fils de la star de Broadway John Raitt et frère aîné du Rock and Roll Hall of Famer Bonnie Raitt, était lui-même un chanteur assez juste.

"Il chantait une ou deux chansons par nuit et les gens se demandaient pourquoi il ne chantait pas plus", a déclaré Peterson, qui a travaillé avec Raitt au T.C. Brouilleurs. "Il n'avait pas l'ego pour être une star. Steve était à l'aise d'être le gars de soutien."

Raitt, une force essentielle de la scène musicale de Twin Cities des années 1970 aux années 90, est décédée samedi à Los Angeles des suites d'un cancer du cerveau. Il avait 61 ans.

"Bien que nous soyons très tristes qu'il ait perdu sa vaillante bataille de huit ans, nous sommes soulagés de savoir que son combat est terminé et qu'il est désormais vraiment libre", a déclaré Bonnie Raitt dans un e-mail dimanche. "Depuis l'été dernier, il luttait contre la paralysie du côté gauche, puis la cécité depuis les vacances, le tout à cause d'une deuxième tumeur diagnostiquée l'été dernier.

"J'étais plus proche de Steve que quiconque dans ma vie, vous pouvez donc imaginer ce que je ressens.

"Nous avons été submergés d'appels et de messages depuis que nous avons partagé la triste nouvelle et je suis incroyablement ému par l'impact qu'il a eu sur tant de vies."

Après avoir reçu six mois à vivre par les médecins de la Mayo Clinic en 2001, Raitt est passé de la médecine occidentale à la médecine orientale, a déclaré le batteur de Minneapolis Bobby Vandell, l'un de ses amis les plus proches, qui a passé une grande partie des trois dernières semaines avec lui. "Il a suivi un régime macrobiotique. Comme Bonnie l'a toujours dit, ce gars avait la discipline d'un maître de yoga. Le cancer est allé en rémission. Il est devenu un skieur nautique de compétition et ressemblait à un culturiste."

Raitt, qui est née à Van Nuys et a grandi à Los Angeles, a déménagé dans les Twin Cities en 1971 lorsque sa sœur a enregistré son premier album de Warner Bros. dans une grange sur le lac Minnetonka avec le pilier du blues de Twin Cities Willie Murphy (producteur) et Dave Ray (ingénieur). Après être tombé amoureux du plus grand lac des Twin Cities, Raitt est resté comme preneur de son pour Willie & the Bees avant de travailler avec le Lamont Cranston Band, le Doug Maynard Band et le T.C. Brouilleurs, entre autres.

Lorsque Vandell a entendu les Cranstons, il a voulu rencontrer l'ingénieur qui mixait ce son spécial. "La façon dont il se comportait, la façon dont il s'habillait, son langage corporel, son charisme étaient enivrants", se souvient Vandell.

Raitt a co-fondé T.C. Jammers avec Vandell, Melanie Rosales et autres. "Il a conduit le bus, réparé le bus, mixé le son, géré la route, réservé le groupe, s'est assuré que tout était en sécurité et a chanté quelques chansons chaque soir", a déclaré Vandell. "Il pouvait réparer n'importe quoi. Une fois, pendant que ses parents partaient en vacances en Europe, il a reconstruit la Jeep familiale au point qu'elle faisait quatre pages dans le magazine Hot Rod."

Au début des années 1990, Raitt a aidé à lancer Proline Integrated Systems à Minneapolis et a commencé une carrière dans la conception de systèmes de divertissement à domicile à la pointe de la technologie. Parmi ses clients : le héros du vélo Greg LeMonde et la superstar du basket Michael Jordan. Ses créations ont fait la couverture du magazine Audio Visual à deux reprises.

Il y a environ trois ans, Raitt est retournée en Californie dans un lac de ski nautique privé à Sacramento. Il y a une semaine et demie, Peterson et ses frères Ricky et Paul ont rendu visite à Raitt. "Nous avons passé une bonne heure parce que nous l'avons fait chanter avec nous", a déclaré Peterson.

Sa petite sœur le résume : « Steve était un gars au grand cœur, qui aimait s'amuser, talentueux et puissant, plein de vie, d'humour et un sens du style unique. Il aimait le ski, les bateaux, les voitures, le funk, le R&B et le smooth jazz, la femme de sa vie. . C'était un ami et un père bien-aimé, un frère et un fils extraordinaires, un romantique désespéré, un chanteur funky et un homme de son brillant."

En plus de sa sœur, Bonnie, Raitt laisse dans le deuil sa partenaire, Catherine une fille, Ruby un fils, Miles un frère, David, un petit-fils, Tyler son beau-père, Jim sa belle-mère, Rosemary, et deux demi-soeurs, Dee et Sally.

Un service privé aura lieu aujourd'hui en Californie, et Vandell organise un hommage à Minneapolis.


Bonnie Raitt

Bonnie Lynn Raitt ( / r eɪ t / [1] né le 8 novembre 1949) est un chanteur de blues, guitariste, auteur-compositeur et activiste américain.

Au cours des années 1970, Raitt a sorti une série d'albums influencés par les racines qui incorporaient des éléments de blues, de rock, de folk et de country. Elle était également une joueuse de session fréquente et collaborait avec d'autres artistes, dont Warren Zevon, Little Feat, Jackson Browne, The Pointer Sisters, John Prine et Leon Russell. En 1989, après plusieurs années de critiques élogieuses mais peu de succès commercial, elle connaît un grand succès avec l'album Nick of Time. Les deux albums suivants, Chance du le tirage (1991) et Aspirant à leurs cœurs (1994), étaient des vendeurs de plusieurs millions, générant plusieurs singles à succès, dont "Something to Talk About", "Love Sneakin' Up On You", et la ballade "I Can't Make&# 8197You Love Me" (avec Bruce Hornsby au piano).

Raitt a reçu 10 Grammy Awards. Elle est répertoriée comme le numéro 50 dans Pierre roulante ' s liste des "100 plus grands chanteurs de tous les temps" [2] et numéro 89 sur la liste du magazine des "100 plus grands guitaristes de tous les temps". [3] L'artiste australien de musique country Graeme Connors a déclaré : "Bonnie Raitt fait quelque chose avec des paroles que personne d'autre ne peut faire, elle la plie et la tord droit dans votre cœur." [4]


Voir la vidéo: Bonnie Raitt u0026 Norah JonesTennessee Waltz (Décembre 2021).